Sim, Senhor*

Crítica (e otimismo) da cegueira

Sim, Senhor (Yes Man, EUA, 2008), de Peyton Reed, parece um filme cego. Algum mais chato pode falar em dirigido por um cego, embora não tenha nada a ver com Dirigindo no Escuro, de Woody Allen, que dirige um filme – dentro do filme – sem enxergar. Em Sim, Senhor, o ponto mais saliente pra mim é que o filme parece errar quando mira e acertar quando atira num alvo para o qual mal olha.

A história trata de um cara (Carl, interpretado por Jim Carrey) que tem uma tendência sobre-humana de dizer não a tudo. Desde o início, quando somos apresentados a esse tipo de pessoa, fica claro que não importa o que seja feito de indelicado, esquemático ou constrangedor (bundas de fora com roupa de hospital, piadas com idosos e dentadura, etc): o importante é o riso. Se preferir em parágrafos garrafais: em Sim, Senhor o fim (riso) justifica os meios (esdrúxulos).

Uma cena chave dessa idéia é durante a cerimônia de “aceitação” de Carl, evento responsável pela guinada na vida dele, e no roteiro do filme. A idéia é passar a dizer sim e a aceitar as coisas e as pessoas sem pestanejar – analogia óbvia com o que faz o público médio de filmes como esse. A premissa é aparentemente bem irracional mesmo, a ponto de inicialmente nosso querido Jim Carrey desafiar qualquer lógica em detrimento da “promessa pelo sim”.

A partir dessa idéia do sim desenfreado a tudo que se vê e se encontra, liga-se no turbo a idéia de colocar qualquer atitude que leve à risada da primeira à sétima instâncias, e que tudo se junte no final, bem como o papai Syd Field manda nos manuais de roteiro – mesmo que existam roteiros bem piores dentro desse manual, diga-se de passagem.

O curioso é que essa obsessão quase homicida pelo encaixe das coisas e (principalmente) pelo riso, se por um lado ganha pelo cansaço e você realmente ri, por outro faz você observar pontos positivos de pingos isolados, que sufocam menos e permitem uma saudável respiração de todos nós. De um ou dois diálogos com respostas afiadinhas a um retrocesso causado (indiretamente) por esse “sim” automático. Temos aí um ponto que representa uma revira-volta, esperada para se aumentar uma tensão e se chegar ao final feliz, embora inesperada pelo motivo – de aparência inocente. Mas, não só.

Esse mesmo fato remete também – de uma maneira um tanto irônica devido ao completo mal-entendido –, a uma questão essencialmente norte-americana: a paranóia defensiva (ou ofensiva, se menos ingênuo). Essa questão pode soar oportunista, datada e opressora para uns (nada de novo), mas a mim, como foi abordada, me pareceu mais até oportuna.

Talvez o grande porém é que esse ponto está deslocado, num filme claramente mais “industrial” do que “político” – o que obviamente não o impede de levar sua carga de produto para exportação que é. E o mesmo porém fica ainda mais forte por se tratar de uma comédia ‘alto astral’ que parece gritar: “só quero ser escrita com C e A maiúsculos; e pouco ou nada além disso”. Para mim, não consegue – mesmo com uma ótima cena final, especialmente por (mais uma vez) seu tom mais auto-crítico e irônico do que cômico.

Fime: Sim, Senhor (Yes Man, EUA, 2008)
Direção: Peyton Reed
Elenco: Jim Carrey, Zooey Deschanel, Molly Sims

8mm
Terra agradece
Ela pode nunca vir a se tornar grande atriz (apesar de desde Fim dos Tempos já ter minha simpatia declarada), mas Zooey Deschanel, aqui, está de novo estranhamente linda – mesmo que nem tão estranha. Ver aqueles olhos azuis cantarem, rirem, dirigirem uma moto, e mandarem você morrer afogado é dessas coisas que realmente não têm preço. Me permitindo a coroa da frivolidade, a beleza dela ajuda a melhorar o filme.

Terra treme
Sophia Loren conversando pra todo o mundo ouvir, e olhando nos olhos de ninguém menos que Meryl Streep. A mesma galáxia vê Robert de Niro elogiando Sean Penn com honestidade no olhar vindo dos dois lados. (Diante de tanto talento, e com Los Angeles propensa a abalos císmicos, o mundo todo aproveita a desculpa e começa a tremer também. Pausa para o acontecimento, e pausa para o efeito colateral da pausa. Mundo volta ao normal. Volto a escrever o texto.)
No discurso, Penélope Cruz lembra de Pedro Almodóvar, Fernando Trueba e Bigas Lunas, diretores que apostaram (e apostam) nela (desde) nova. Sean Penn dedica seu segundo Oscar (além de aos gays – ele interpreta o histórico político Harvey Milk) a Mickey Rourke (concorrente e que ganhou no sindicato da categoria), num clássico caso de dois caras que sabem como não serem queridos, mas cuja honestidade da rabugentice também cativa (ou já cativou) muita gente – como eu.
O melhor da edição do Oscar desse ano, pra mim, foi essa coisa do reconhecimento – mais do que protocolar, soou de coração nesses casos. Na cerimônia, antigos vencedores apresentando os indicados e entregando o Oscar ao ganhador parece ter sido a sacada da noite.
Ou seja, gente reconhecendo gente, e de maneira aparentemente honesta, o que é sempre bom. Principalmente por se tratar de uma cerimônia competitiva (embora qualquer tipo de “competição artística” deva ser bem menos relevante como competição do que qualquer uma esportiva, por exemplo – lembrem-se disso sempre, por favor) em que muita coisa chama mais a atenção e está mais presente do que o mérito.

Vistos e/ou revistos durante a semana:
* Klaps (1976), de Krzysztof Kieslowski (curta)
* Um Canto de Amor (1950), de Jean Genet (curta)
* Premonição (2000), de James Wong
* Eu e as Mulheres (2007), de Jon Kasdan
* O Silencio dos Inocentes (1991), de Jonathan Demme
* O Casamento (1976), de Arnaldo Jabor
* Sim, Senhor (2008), de Peyton Reed (cinema)
* Fando e Lis (1968), de Alejandro Jodorowsky

Imagens em: http://www.imdb.com/ e http://www.myparkmag.co.uk/

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Mudança

Jornal mudando de sede, sem edição no carnaval. Sábado que vem, se tudo ocorrer como planejado, tudo de volta normalmente – coluna 70mm incluída.

Vistos e/ou revistos durante a semana:

* E o Vento Levou (1939), de Victor Flemming

* Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese

* Não Furtarás (1988-90), de Krzystof Kieslowski (média-metragem parte do “Decálogo”)

* Sobre Meninos e Lobos (2003), de Clint Eastwood

* Não Cobiçarás a Mulher do Próximo (1988-90), de Krzystof Kieslowski (média-metragem parte do “Decálogo”)

* Leonera (2008), de Pablo Trapero (cinema)

* Uma Rua Chamada Pecado (1951), de Elia Kazan

* Monty Python – O Significado da Vida (1983), de Terry Jones (e Terry Gilliam)

Falsa Loura*

Espelho quebrado

Carlos Reinchebach, 63, é um dos que defende mais abertamente o cinema “popular” no sentido financeiro do termo, idéia coerente não só com os que habitam sua obra, mas também com o ambiente de sua juventude. Em entrevista que vi há algum tempo não lembro onde, ele disse que sente falta dos anos 60 e 70, quando o preço do ingresso do cinema era equivalente ao da passagem de ônibus, e quando as classes C e D eram um público fiel das produções brasileiras. No mínimo simpático a essas camadas da população, a relação delas com as mais abastadas é o pano de fundo de seu último filme, Falsa Loura (idem, BRA, 2008), no qual Carlão (como é mais conhecido) revisita com relativo sucesso não só suas convicções sócio-políticas, como aprofunda (como poucas vezes já vi) o ser humano que é a personagem título.

Depois de uma citação de Sócrates, o filme começa um com dança mais do que sensual entre Regina e Silmara – respectivamente interpretadas por Luciana Brites e Rosane Mulholland. Essa última nos dá a entender, logo em seguida, ser uma operária que, além de sexo, exala arrogância e impaciência com mulheres sem metade do talento visual dela – ou seja, com quase todo mundo. Para completar bem esse raciocínio, ela berra para uma amiga: “todo mundo acha que eu faço programa, mas, olha, eu não sou puta” – não exatamente nessas palavras, talvez, embora a rispidez seja ainda maior do que a que você pensa. Na sequencia, ela “bate o ponto” ao se pegar no meio da rua com alguém que, até que se esclareça mais tarde, é mais estranho do que parece.

Essa primeira parte é uma introdução, que, assim como todo o resto do filme, questiona a imagem e a impressão das pessoas para si e para os outros. É bom dizer que, frases como “nem tudo é o que parece” ou “a primeira impressão (nem sempre) é a que fica”, se ditas numa discussão que quer se basear em argumentos, irritam qualquer um. Só que em Falsa Loura, felizmente, Carlão consegue trabalhar com esses pensamentos de “senso comum” (para ser educado) e transformá-los em um resultado eficaz como audiovisual.

Os personagens por quem devemos sentir empatia são membros das classes C e D, aqui desenhadas com naturalismo, que consegue viver muito bem com a questão política e social do filme, discreta e funcional. Os representantes das classes A e B (do empresário ao vocalista da banda), por sua vez, são pintados como predadores caricatos, o que ajuda na impressão ideológica de seu autor, mas destoa no que diz respeito às personalidades convincentes das operárias.

A loura
Silmara, assim como suas colegas tipicamente proletárias, passa longe da erudição e gosta mesmo é do “popular” – não sem razão, uns podem chamar de brega. A questão é que esse brega não é julgado, mas apenas transformado numa parte não só integrante como necessária ao mundo dessas mulheres, que sonham em transar com esses ídolos-fetiches. Esse sonho talvez exista nem tanto pelo sexo em si, mas pelo fato de atingirem um ápice teoricamente inatingível para elas, num misto de determinismo e preguiça – embora a situação seja muito mais complexa, trata-se de uma harmonia com a obra.

Dessa maneira, quando uma delas consegue realizar esse sonho a princípio utópico para todas do grupo, há também um conflito natural, entre pessoas que mal se conhecem e que vivem realidades distintas, numa relação que beira criador e criatura sem nada em comum. O ponto positivo é que esse relacionamento dos menos abastados diante dos objetos de admiração e cobiça, flui com certa naturalidade – dentro de uma dificuldade natural. Reichenbach é feliz ao mostrar que as interações ali não se baseiam nas diferenças sociais ou financeiras (que aqui destroem), mas sim numa coisa que todo ser humano sente: desejo.

Esse desejo é coerente com a citação a Sócrates, no começo, na qual se fala sobre o prazer e a dor, e como a busca por um significa estar sujeito ao outro. Mais do que isso, uma vez que o filme vai muito além de sua epígrafe, essa busca é capaz de mostrar a fragilidade de boas intenções, assim como da idéia do personagem diante da vida, ou de um simples fato, visto, sentido e interpretado de maneira diferente por quatro pessoas (diretamente) envolvidas nele.

O trabalho com pessoas e pensamentos populares, apesar do risco de ser seduzido e às vezes fisgado por inúmeros clichês, torna o trabalho de Carlão ainda mais interessante, uma vez que ele dá profundidade ao seu tema e aos seus personagens. Apesar dos estereótipos sem nenhuma carga humana, completamente distintos de Silmara e as do seu meio, eles acabam por se fechar numa obra coerente, do determinismo ao fatalismo melancólico.

Como um dos expoentes do movimento da “Boca do Lixo” dos anos 70, o gaúcho radicado em São Paulo mostra que sabe trabalhar com o “lixo” e o “luxo”, com ênfase nas aspas em ambos, e transformá-los num luxo de filme. Sem aspas – e com pouco ou nada de luxuoso, mas excepcionalmente bem acabado. Muito bom.

Fime: Falsa Loura (idem, Brasil, 2008)
Direção: Carlos Reichenbach
Elenco: Rosanne Mulholland, Djin Sganzerla, João Bourbonnais, Cauã Reymond, Mauricio Mattar

8mm
Mulheres
Curioso que, sem pensar previamente nisso, terminei vendo, em menos de uma semana, três filmes basicamente com mulheres e sobre mulheres, mas com praticamente mais nada em comum entre eles – além da qualidade. De Falsa Loura a 8 Mulheres, passando por Virgens Suicidas; do naturalismo ao coerente teatro caricato, flertando com um pouco de minimalismo pelo caminho.
De um Brasil proletário e conflituoso, mas felizmente não resumido a isso, a uma França fria, burguesa e ironicamente divertida, além de muito francesa – sem redundância ou hipérbole alguma no que digo. Para completar, todos trazendo consigo parte de suas influências, mas também funcionando como peças únicas de idioma próprio – mesmo que filhos das línguas mãe. Ô coisa boa essa diversidade...

Até onde você vai, QT?
Os filmes de Quentin Tarantino são uma droga. Primeiro você tem o contato inicial graças a um outro (primordialmente no cinema, quando não numa locadora ou emprestado), antes de passar você mesmo a comprar – o DVD. Depois você começa a aumentar a dose do medicamento (o filme) de tal maneira que, após tanto uso, você sabe que cada recaída (revisão) vai levar àquela sensação de “ah, foi bom, mas quero uma sensação nova”. Só que, depois de alguns dias de rebordosa (vendo outras coisas dificilmente do mesmo nível), lá está você pensando novamente no bendito entorpecente: o filme que só ele faz.
Essa semana vi o primeiro trailer do Bastardos Inglórios (tradução vai ser essa literal mesmo?), o novo dele. Quando soube do projeto, e da ligação com a segunda guerra mundial, fiquei meio ressabiado porque achava o assunto “sério” demais pra QT. Para um cara que se mostra obcecado por tanta coisa em sua obra, é inevitável achar que enfim ele vai ficar cansativo graças aos inúmeros maneirismos. Mas, se hoje uma pergunta permanece sem resposta pra mim, essa é: até onde vai o seu talento Tarantino?
Ps: O À Prova de Morte, o anterior dele lançado no festival de Cannes num pré-histórico 2007, permanece sem confirmação por aqui. Culpa da Europa Filmes...

Vistos e/ou revistos durante a semana:
* Falsa Loura (2008), de Carlos Reinchebach
* Jules e Jim (1962), de François Truffaut
* Além das Nuvens (1995), de Michelangelo Antonioni e Wim Wenders
* Blade Runner (1982), de Ridley Scott
* 8 mulheres (2002), de François Ozon
* Alma Corsária (1994), de Carlos Reinchenbach
* Garotos de Programa (1991), de Gus Van Sant
* Virgens Suicidas (1999), de Sofia Coppola
* Terra em Transe (1967), de Glauber Rocha

Imagens em: http://www.revistapaisa.com.bbr/ e http://www.artcenicas.com/

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Silêncio

Vistos e/ou revistos durante a semana:
* Carrie, a Estranha (1976), de Brian de Palma
* Cinema, Aspirinas e Urubus (2005), de Marcelo Gomes
* O Desespero de Veronika Voss (1982), de Rainer Werner Fassbinder
* Casablanca (1942), de Michael Curtiz
* Juventude Transviada (1955), de Nicholas Ray
* O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro (1969), de Glauber Rocha
* Sonho de Cassandra (2007), de Woody Allen
* Dois Dias em Paris (2007), de Julie Delpy

Teoricamente não posso dar um piu, literalmente, mas a peste da Julie Delpy fez eu dar uma gargalhada monumental - e igualmente perigosa, mas não me contive. E não só. Apesar de o filme ter muita coisa que incomoda, alguns momentos são uma delícia de leveza (e outros "apenas" muito bons), de porcos e coelhos a cenouras e Rimbaud.

Aliás, coisa legal assistir no mesmo dia a O Dragão... e Dois Dias em Paris e levar em consideração a coisa da identidade em questão - mas isso é apenas uma divagação.

O Curioso Caso de Benjamin Button*

Poesia sem poeta

Li, sem ter conseguido confirmar, que David Fincher (Clube da Luta, Se7en, O Quarto do Pânico) dirigiu Zodíaco (2007) como condição para chegar a O Curioso Caso de Benjamin Button (2008), teoricamente seu maior desejo. Se for mentira, fica a impressão de que Fincher talvez tenha consciência de que funciona melhor quando trabalha com a agonia ligada ao tempo, e nem tão bem quando ela é ligada a um sentimento mais profundo – e ele pode ter escorregado por ter se arriscado num filme mais “diferente”. Mas se for verdade, o diretor de Clube da Luta parece ter ensaiado, durante mais de 10 anos, uma peça de apresentação única que, no dia D, teve todo o texto mudado – embora com consentimento dele.

A premissa do filme, baseado na obra de F. Scott Fitzgerald, é fantástica: um menino (Benjamin, interpretado por Brad Pitt) que nasce velho e o que ganha em idade também ganha em juventude; envelhece em idade ficando mais novo em aparência. Mais do que isso, suas “primeiras vezes” (bordel e bebedeira, por exemplo) acontecem com ele ainda novo em idade, mas ao mesmo tempo quase decrepto visualmente, de forma a fazer qualquer pessoa duvidar que um alguém com aquele visual nunca tenha transado ou se embriagado. No fim das contas, ele cresce ficando mais jovem e passa, de uma maneira bem pessoal, por muito do que a maioria das pessoas passa, com enfoque maior (teoricamente) nas relações interpessoais.

A trajetória de Benjamin, pelo seu caráter claramente surreal, é fascinante, mas muito mais pela idéia do que pela execução. A narração, a performance de Brad Pitt e todo o investimento de Fincher numa sobriedade para a história, transformam Benjamin Button em apenas mais um caso diferenciado, como muitos outros da vida real – o que ele não é – e que não causam mais empatia alguma, por um natural estado de dormência e apatia na maioria de nós com relação a problemas alheios em mundo tão cheio deles.

Lá pelo meio do filme, por exemplo, temos aquela que talvez seja a maior narração (em tempo) de todo o filme. Trata-se de uma descrição minuciosa de acontecimentos para se justificar uma triste coincidência, numa mistura de Amélie Poulain (2001) levado a sério com um pouco do final de A Última Noite (2002), de Spike Lee. O ponto é que, diferente de quase todo o filme, essa parte parece buscar fazer com que o espectador entre na história. No entanto, até ali, Benjamin sussurrava o tempo todo “não se aproxime”, antes de, súbita e rispidamente, lhe puxar pelo braço.

Esse é um problema porque, apesar de sem aparentemente nada de verossímil, a história (não falo do roteiro, mas da sua base, o seu resumo – não li o livro) é essencialmente humana. Ela fala, de uma maneira bem própria, sobre pessoas, sobre a vida e as oportunidades. Fincher, talvez por um medo de transformar a coisa num melodrama fantasioso cheio de gordura, impõe uma distância enorme entre você e o filme. A paixão fica apenas na história e não consegue vir também para o “contar a história”.

Contar uma história, aliás, foi o que Fincher fez muito bem em Zodíaco, que, embora pra mim seja o melhor dele, não tem (ou não deveria ter) nada a ver com esse aqui. Aquele era no fundo um filme de gênero muito bem tratado e sintonizado do início ao fim, enquanto Benjamin se aproxima muito mais da poesia.

O que me parece talvez o maior defeito é que essa poesia vem didática, quase explicativa. Fincher, mais mecânico do que nunca, a descreve, ao invés de recitá-la – com o audiovisual, que é seu meio. Descrição essa culminada com um final que parece uma mistura do superficial da publicidade com uma lição de moral boba de uma fábula que não funciona. Em meio a tanto potencial (e tantos minutos), uma pena.

Filme: O Curioso Caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button, EUA, 2008)
Direção: David Fincher
Elenco: Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond.

8mm

Brad Pitt
Num filme como Benjamin Button, é bom relativizar Brad Pitt (e um pouco também Cate Blanchett), em quem a maquiagem e os efeitos visuais às vezes são mais importantes e chamam muito mais a atenção do que a atuação em si – caso semelhante, por exemplo ao do ali ótimo John Hurt (apesar do mesmo porém, maior até) no ainda melhor O Homem Elefante (1980), de David Lynch. Preferi Cate Blanchett, o que pode soar como hipérbole, mas também não quer dizer que eu ache (o que muita gente acha) o marido de Angelina Jolie ruim como ator – não é o caso. Só acho tudo aquilo confuso e duvidoso demais pra avaliar com clareza.

Heavy Metal
Apesar da decepção com esse novo Fincher, permaneço ansioso pelo seu novo projeto já anunciado para 2010: Heavy Metal. Não tem basicamente nada a ver com o estilo de música, mas sim de uma “refilmagem” de uma animação de 1981, que envolve horror, fantasia e erotismo – numa adaptação livre de uma revista francesa de mesmo nome.
Teremos ainda Zack Snyder (refilmagem de Madrugada dos Mortos; 300), Kevin Eastman (co-criador de As Tartarugas Ninjas), além de Tim Miller (curta Rockfish) e Gore Verbinski (A Mexicana, trilogia de Piratas do Caribe).
Gente boa, gente desconhecida e, se de mau humor, gente ruim. Mas, independente disso, gente muito diferente. Embora não saiba como isso pode dar certo, não deixa de ser estranho (isso é bom) ver um projeto de animação assim.

Pausa
Na quarta-feira (4) vou ter que passar por uma pequena cirurgia – tirar um cisto da prega vocal – o que me deixará sem contato social por alguns dias, antes e depois da operação. Ou seja, nada de cinema, nem nada de 70mm publicada na próxima semana. Se tudo der certo, creio que dia 13 estou de volta com texto novo. Até.

Vistos e/ou revistos durante a semana:
* 007 Contra o Satânico Dr. No (1962), de Terence Young
* O Processo de Joana D’Arc (1962), de Robert Bresson
* A Dupla Vida de Veronique (1991), de Krzysztof Kieslowski
* O Curioso Caso de Benjamin Button (2008), de David Fincher (cinema)
* Morte em Veneza (1971), de Luchino Visconti
* A Mosca (1986), de David Cronenberg
* Através de um Espelho (1961), de Ingmar Bergman
* O Último Imperador (1987), de Bernardo Bertolucci

Imagens em: http://www.imdb.com/

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Se Eu Fosse Você 2*

Gargalhada amarela

Se Eu Fosse Você 2 (idem, Brasil, 2009), de Daniel Filho, já bateu a maioria dos recordes de bilheteria no Brasil, deve bater mais alguns enquanto escrevo, e mais outros enquanto vocês lêem. Ou seja, ele como franquia e produto de sua idealizadora-mor (Globo Filmes) é teoricamente um modelo para uma “indústria de cinema”. A questão é até que ponto isso é bom ou ruim? Essa é uma pergunta que merece centenas de debates, dezenas de ensaios e uma meia-dúzia de livros, além de alguns filmes – no mínimo. Mas vou aqui rabiscar algumas coisas sobre o assunto.

O $uce$$o do filme parece fazer com que a maior parte dos filmes brasileiros do “grande público” se resumam a mundos maravilhosamente isolados. Os filmes ou são de sertão, ou são de favela ou são do maravilhoso mundo do Projac. Nesse último, o Rio de Janeiro continua lindo, só que sem absolutamente nada além das classes A e B plastificadas, num planeta onde nem pontas de cigarro sujam o ambiente – aqui, fumar é um crime hediondo.

Lógico que existem felizes (e infelizes) exceções, que misturam mundos, do mesmo jeito que há pérolas hiper bem-feitas desses mundos bem particulares – assim como temos filmes como o Carreiras (2006), do Domingos Oliveira, pra falar num recente ainda fresco em minha memória e que não se encaixa em nenhum dos casos. Mas, por outro lado, também existem coisas que seguem as regras de uma das partes desse trinômio e não funcionam muito além disso: e é justamente o caso de Se Eu Fosse Você 2.

Começamos com a esperada explicação tola, mas compreensível e coerente com o filme. Quando Tony Ramos e Glória Pires pensam em se separar, temos um conflito gerado pelos Beatles, que, num telefonema subseqüente, resulta numa ótima gag, que parece tirada de um filme de Woody Allen – trocando o jazz pelos meninos de Liverpool. O problema é que, fora essa sacada, me esforcei pra lembrar, mas nenhuma outra ficou.

As piadas e situações com o sexo oposto são na maioria das vezes óbvias e baseadas em frases feitas (talvez rimos por um “inteligente” ritmo rápido que impede qualquer reflexão sobre a elaboração/interpretação do texto), o machismo está lá firme e forte (homem = futebol, grossura, trabalho; mulher = compras, delicadeza, casa), assim como tudo ligado ao conservadorismo e a uma comédia chula. Ouvimos que “criança que faz criança não é mais criança” e vemos que “homem que dança é gay”.

Por outro lado, Daniel Filho induz (sem empurrar) ao riso mais do que no primeiro filme. A câmera parece gritar menos, as situações fluem com mais naturalidade e, consequentemente, com um pouco mais de humor. Exceção feita a uma cena (quando a briga fica feia e parece parte de um outro filme), o constrangimento é filmado de uma maneira que ele geralmente fica do lado de lá e o riso vem pra cá sozinho.

Esse riso de Se Eu Fosse Você 2 às vezes chega ao nível de uma gargalhada, e isso é sempre bom. Diferente do amarelo e o medo de uma falta de diversidade que vêm junto com ela.

Filme: Se Eu Fosse Você 2 (idem, BRA, 2008)
Direção: Daniel Filho
Elenco: Tony Ramos, Glória Pires, Isabelle Drummond, Chico Anysio, Maria Luisa Mendonça.

8mm
Cafonice quase irresistível
Uma coisa cafona, cheia de gente que não sabe até que ponto eles e o evento devem ser levados a sério, mas que mesmo assim não dá pra não assistir: o Oscar. Depois de um 2008 surpreendentemente recheado de gente boa, esse ano o ôba-ôba maior, pra o pessoal da Academia, é em cima de O Curioso Caso de Benjamin Button (13 indicações), de David Fincher (Clube da Luta, Seven, Zodíaco).
Não sou do fã-clube do cara (que tem uns membros bem chatinhos), mas ele tem dado menos importância aos seus malabarismos, a ponto de ter feito um Zodíaco da vida: um filme com atores, roteiro e direção no mesmo tom, e que conseguem sustentar durante duas horas e meia uma nota bem alta. Não li coisa tão boa da nova parceria dele com Brad Pitt, mas...

Além...
Dos outros mais comentados, vi o Batman – O Cavaleiro das Trevas, e dá pra dizer que Heath Ledger, lá do além, merece o Oscar que vai ganhar; e que James Dean vai ficar com uma pontinha de inveja – mesmo que o Rebelde Sem Causa não deva nada a Ledger ou a nenhum outro ator entre nós. Vi ainda a coisa sensacional que é Wall-E, defendido por muita gente boa como a melhor coisa que saiu de Hollywood em 2008. Como minha Hollywood se resumiu a bem pouca coisa esse ano, concordo.
De resto, não vi e já gostei do Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen, e do Milk (ainda sem tradução), de Gus Van Sant. O Lutador, de Darren Aronofsky (Réquiem para um Sonho, A Fonte da Vida), deve valer no mínimo pela atuação de Mickey Rourke e pela trilha sempre ótima de Clint Mansell. E quero ver também A Troca, de Clint Eastwood, que depois de já ter feito algumas obras-primas, lança dois filmes em menos de 12 meses e já aparece na pré-produção de outro. Completamente ativo aos 78 anos. Alguém encomende cinco estátuas, por favor.

Vistos e/ou revistos durante a semana:
* Trainspotting (1995), de Danny Boyle
* Entrevista com o Vampiro (1994), de Neil Jordan
* A Igualdade é Branca (1994), de Krzysztof Kieslowski
* A Liberdade é Azul (1993), de Krzysztof Kieslowski
* Se Eu Fosse Você (2006), de Daniel Filho
* Amores Brutos (2000), de Alejandro González Iñárritu
* Menino do Rio (1982), de Antonio Calmon
* Contos Proibidos do Marquês de Sade (2001), de Phillip Kaufman
* Se Eu Fosse Você 2 (2009), de Daniel Filho (cinema)
* A Fraternidade é Vermelha (1994), de Krzysztof Kieslowski
* A Professora de Piano (2001), de Michael Haneke

Imagens em: www.seeufossevoce.com.br/ e http://adisney.go.com/disneyvideos/animatedfilms/wall-e/flash_site.html

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

O Dia em que a Terra Parou*

Masturbação técnico-visual (e só)

Verdade seja dita, “masturbação técnico-visual” pode resumir a maior parte dos blockbusters americanos, tanto pelo lado bom como pelo ruim. O ponto passa a ser então o que desenvolver a partir dela e de um filme como O Dia em que a Terra Parou (The Day The Earth Stood Still, EUA, 2008), de Scott Derrickson (de O Exorcismo de Emily Rose).

Refilmagem de um clássico de 1951, dirigido por ninguém menos que Robert Wise (A Noviça Rebelde; Amor, Sublime Amor; Punhos de Campeão), o filme repete a fórmula dentro da fórmula. Traz uma história de sucesso garantido com efeitos impossíveis de serem obtidos na época em que foi feita, e astro(s) com passagem recorrente pelo papel que interpretam: Jennifer Connelly (Réquiem para um Sonho, Uma Mente Brilhante, Hulk) como a mulher que sofre (mas dessa vez nem tanto), e Keanu Reeves, o super-poderoso-de-ação-e-ficção-científica, como na trilogia de Matrix.

Na prática, o filme não teria como ser refeito com história idêntica, pelo fato de o contexto histórico e político – essenciais para a história – serem inatingíveis nos dias de hoje, uma vez que a versão de 1951 era um bonito (e ingênuo) libelo contra a guerra-fria – mas não só. Ou seja, a equipe criativa tinha aqui um aval óbvio para justificar um distanciamento do filme original e dar um toque pessoal a uma bela história com uma lição de moral que, como dificilmente acontece, desce (ou descia) sem grandes problemas.

A versão de Robert Wise, vale dizer, investe menos nos efeitos visuais, obviamente contidos, e mais no ser humano. O dia em que a terra pára – no original – envolve toda uma trama entre os extra-terrestres, seu representante, seu protetor e os humanos. Através dessa trama, o medo e até a estupidez do homem diante do desconhecido e da desconfiança, assim como a inocência (mas nem tanto) e o poder de reação de quem se encontra do outro lado, chegam juntos a um resultado que, ao invés de datado, parece muito mais convincente (apesar de também mais ingênuo) do que o filme de Scott Derrickson.

É bom frisar que a infidelidade de uma re-abordagem – não importa se refilmagem ou adaptação de um meio para outro –, obviamente, não quer dizer nada a respeito da qualidade do resultado a princípio. A questão é que o filme de 2008 funciona da seguinte maneira: o sol gira, o mundo brilha, o gigante descansa anestesiado... (...) e... boom!: a terra simplesmente pára. O acontecimento parece ter entrado (de sola) no roteiro por uma simples questão de protocolo, e a suposta explicação pra o parar do planeta soa incoerente com a completa falta de abstração do filme.

Scott Derrickson diz pouca coisa além de imagens megalomaníacas e sem substância. Ele dirige uma coisa que não parece funcionar nem como divertimento (claramente sua prioridade maior), mas apenas como uma masturbação constante da equipe de efeitos visuais.

O problema é que essa masturbação é feito por eles para eles, sem participação de mais ninguém. E, desse jeito, só pode levar ao orgasmo algum voyeur fetichista por poeira faminta e ligada à entomologia. Existem muitos assim, é verdade, mas se você não for como eles, essa masturbação não passa tesão algum.

Filme: O Dia em que a Terra Parou (The Day The Earth Stood Still, EUA, 2008)
Direção: Scott Derrickson
Elenco: Keanu Reeves, Jennifer Connelly, Jaden Smith.

8mm
Meu nome é Maciel...
Não acompanhei Maysa, basicamente pelos mesmos motivos de Capitu. A diferença é que, embora Luis Fernando Carvalho me atraia mais como diretor, Jayme Monjardim dirige a mãe, ele próprio e os filhos ali, em diferentes épocas e também ao mesmo tempo. Até Freud ficou curioso pra ver a coisa.
Com tendência a ser uma egotrip megalomaníaca e piegas, a mini-série já mostra desde o seu subtítulo ("Quando Fala o Coração") um sentimento velado de culpa pelo comportamento nada heróico de sua personagem. Pelo que (mal) vi, não dá pra falar muita coisa da série, mas dá pra dizer que a expressividade de Larissa Maciel como Maysa é uma coisa fora do comum. E olhe que, no pouco que assisti, ela pegou texto e direção constrangedoramente mecânicas, mas se salvou (mais pelo potencial do que pela performance, talvez) com sobras. Alguém a coloque numa tela grande, por favor.

Vistos e/ou revistos durante a semana:
* A Gaiola das Loucas (1978), de Edouard Molinaro
* Metal – Uma Jornada pelo Mundo do Heavy Metal (2005), de Sam Dunn, Scot McFadyen e Jessica Joy Wise
* Zeitgeist Addendum (2008), de Peter Joseph
* O Dia em que a Terra Parou (1951), de Robert Wise
* Carreiras (2005), de Domingos Oliveira
* O Dia em que a Terra Parou (2008), de Scott Derrickson (cinema)

Imagens em: http://www.imdb.com/

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Crepúsculo*

Filme nati-morto pronto pra ressurreição

Crepúsculo (Twilight, EUA, 2008), de Catherine Hardwicke, é o produto que se mostra direcionado para a massa responsável pelo sucesso de High School Musical’s da vida. Numa história de amor à base de muito frio, lançado no final de novembro, numa época assim em quase todo os EUA [estratégia semelhante à de Love Story (1970) e Titanic (1997), sabe?!], ela mostra sinais promissores, mas descamba pra um nível de autoria 0,3 e de previsibilidade mil – passando por com um caminho pouco diferente.

A história se passa basicamente em Forks, Washington, no noroeste dos EUA, onde nem o verão é mais quente do que o inverno daqui – falando em Itabuna e região. Assim, onde o sol mal passa de relance e somente nas férias de meio de ano, quase todos são brancos cor-de-leite (até quem vem do deserto do Arizona), mas alguns conseguem ser ainda mais estilizadamente pálidos: os vampiros.

Curioso é que, apesar de fazer parte da sinopse, o filme demora coisa de uma hora pra enfim dizer que os brancos turbinados são vampiros. Desde o começo percebemos que existem pessoas visualmente diferenciadas (não só pela quase ausência de melanina), mas a confirmação só vem na segunda metade do filme, quando se intensifica a história de amor entre Isabella (Kristen Stewart, de Na Natureza Selvagem) e Edward Cullen (Robert Pattinson, dos dois últimos Harry Potter).

Essa demora é interessante, porque até a “revelação”, um ponto positivo é o relacionamento estranho entre duas pessoas que não são populares, num filme direcionado ao grosso do jovem americano: acostumado a ver o craque do time de basquete ou futebol americano, no caso do homem, e a líder de torcida, no caso das mulheres – geralmente ambos com popularidade e imbecilidade lá em cima. Felizmente, os dois aqui não só pouco flertam com esse ideal (o clima do noroeste tem ligação com essa [falta de] mentalidade?), como se aproximam de um extremo oposto. Nessa questão, o potencial de coisas a serem exploradas vai desde as aspas dentro das aspas de “quero mas ‘não posso’” até a relação entre clãs rivais numa cidadezinha (George Romero, cadê você?), passando pela já citada marginalidade nas personalidades do casal.

Voltando a esse adolescente do público alvo, aqui ele é tratado como um ser de uma estupidez quase inigualável, assistindo a ações excessiva e insuportavelmente explicadas e explicativas do início ao fim. Para tentar visualizar esse ponto irritante de Crepúsculo, digamos que existem filmes que jogam vários números na tela e deixam todas as contas serem feitas pelo público, que às vezes morre sem chegar a um resultado – às vezes exato, às vezes “aberto” – mas que se satisfaz pelos cálculos instigantes. Existem outros filmes que lançam menos números, mas ainda assim dão ao espectador a oportunidade de multiplicar, dividir ou brincar de aritmética. Pra quem tem menos tempo pra pensar, existem também aqueles filmes que colocam dois ou três números de um dígito e nos deixam somar ou diminuir. Crepúsculo, por sua vez, mostra um “dois”, um sinal de adição, outro “dois”, um sinal de igualdade, e, achando pouco, ainda finaliza com voz em off: quatro. Temos aqui um dos raríssimos casos em que a narração parece descartável do início ao fim, sem nenhuma exceção.

Um momento legal e que deveria servir de modelo para o filme é quando ela e ele (aproveitando a tecnologia, quer dizer, seus poderes sobre-humanos) conversam no quarto dela, enquanto sobe o som e somente ele permanece como áudio. Pelo que acontece nos momentos da narração, ela diria: “ele, meu super-homem-vampiro-que-não-chupa-meu-sangue, entrou no meu quarto, sentou do meu lado e conversamos: bláblábláblá”.

De qualquer jeito, aí Crepúsculo já perdeu praticamente qualquer senso de peça única (apesar de um visual interessante pra um filme que se assume direcionado pra adolescentes tão estúpidos), inclusive no final, com a esperada deixa para a continuação – inicialmente nada contra, aliás. Uma continuação que parece muito mais interessante, contudo, é a da carreira de Kristen Stewart, que apesar de nada genial, teve (alguns) momentos que lembraram Juliette Lewis e Winona Rider nos seus melhores dias.

Filme: Crepúsculo (Twilight, EUA, 2008)
Direção: Catherine Hardwicke
Elenco: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Billy Burke, Ashley Green, Peter Facinelli.

8mm
2009 por aqui
Tava dando uma olhada no site Filme B sobre os filmes nacionais de 2009, e são 42 longas já com datas confirmadas para estréia até outubro. De Eduardo Coutinho e Domingos de Oliveira (ambos setentões e com quase 20 filmes cada) a Mateus Nachtergaele – ator reconhecido estreando na direção – passando por Eduardo Valente, bom crítico-cineasta que realiza seu primeiro longa, e José Padilha.
Esse último fez a quase obra-prima que é Ônibus 174 (2002) antes do fenômeno-pop-com-opiniões-divergentes-e-extremas Tropa de Elite (2007), que eu gosto (embora precise rever), mas parece ter sido dirigido por um inimigo do autor do primeiro filme. Agora ele aparece com Garapa, documentário já selecionado pra Berlim, que premiou Tropa. Padilha volta a abordar a fome e a miséria, e volta a trabalhar com documentário. Talvez por uma perda de paciência com a saturação do tema, não espero grande coisa. Mas o cara fez o que fez, e teve a atenção que teve. Rola a expectativa...

Vistos e/ou revistos durante a semana:
* O Virgem de 40 anos (2005), de Judd Apatow
* O Cheiro do Ralo (2006), de Heitor Dhalia
* O Desprezo (1963), de Jean-Luc Godard
* Carlota Joaquina – Princesa do Brasil (1995), de Carla Camurati
* Cidade dos Sonhos (2001), de David Lynch
* Crepúsculo (2007), de Catherine Hardwicke (cinema)
* O Pagamento Final (1993), de Brian de Palma

* Persona (1966), de Ingmar Bergman

Imagens em: http://www.twilightthemovie.com/

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Romance*

Rabiscos sobre arte e “arte”

Romance (idem, Brasil, 2008), de Guel Arraes (Lisbela e o Prisioneiro, O Auto da Compadecida), é o tipo de filme que pisa, do início ao fim, em terrenos já explorados, esgotados, assassinados, ressuscitados e re-explorados. De Tristão e Isolda a Titanic e E O Vento Levou, passando obviamente por Romeu e Julieta – só que tudo isso adocicado.

Escrito pelo pernambucano Guel Arraes e pelo gaúcho Jorge Furtado, o início do filme lembra o pior deste segundo, desde a (aqui discreta) falta de tino para dirigir atores até uma insistência na escrita literária e literal dentro do cinema. Menos mal que a (falsa?) voz off – geralmente invasiva no ainda assim interessante O Homem que Copiava, de Furtado – pouco incomoda com o passar do filme, já que ela, antes de felizmente desaperecer, se mescla a poesias e recitações entre Pedro (Wagner Moura) e Ana (Letícia Sabatella).

Os dois, aliás, são o filme – ou deveriam ser. Romance praticamente não usa enquadramentos abertos, e quando eles aparecem são pelo filme dentro do filme. São Paulo e Rio (apesar de vermos o Pão de Açúcar, ele é irrelevante) são apenas lugares genéricos e irrelevantes onde o que importa é arte que acontece neles (ou é afetada por eles) e os atores que vivem neles. Nesse sentido, a Paraíba é mais importante para a trama.

Ainda na atuação, aqui ela é relevante não só obviamente para a tela e o resultado final, mas também no diálogo com teatro, cinema e TV, além do que se pode tirar do trabalho com ela para se atuar na vida – e vice-versa – como deixa claro Orlando (Vladimir Brichta). Em outras e poucas palavras, Romance é muita atuação e expressão, é metalinguagem e hibridismo.

Em meio a essas duas últimas, onde o filme acerta mais, Wagner Moura e principalmente Letícia Sabatella mostram parte de seus potenciais em momentos interessantes, principalmente dentro de seus personagens, tanto na TV como no teatro. Por outro lado, falta coerência para se criar uma personalidade própria de fora (nos palcos, TV e cinema) para dentro do filme que vemos (Romance), de quem eles interpretam nos seus papéis dentro do filme para os que eles interpretam no filme.

Aí vale a discussão até que ponto essa metalinguagem pode confundir a questão personagem-dentro-do-personagem-do-ator. Fica mais fácil se enganar o espectador e justificar um "erro" de performance, uma vez que ele pode simplesmente ser defendido como parte do personagem que não se desvencilhou do ator. Isso pode soar picaretagem, mas não deixa de ser interessante para um filme que parece o sonho de todo ator, com uma atuação dentro da atuação, com toques de humor e extremos de drama.

Ainda assim, a linha narrativa, além de obviamente referenciada, é cuidadosamente bem tratada. As relações (às vezes conflituosas) entre produtor-diretor, teatro-cinema, “arte-indústria”, “atuação-realidade” (enfoque nas aspas), amor-paixão, entre outras, conseguem funcionar como abordagens únicas dentro de um tipo de história repetida em filmes melhores e piores.

No entanto, Romance é o tipo de filme cuja fala de Pedro, no início, é reveladora. Ele justifica a tragédia em sua peça ao citar Titanic, E O Vento Levou e (após segundos de respiração profunda)... a “novela das oito” (er... Globo Filmes). Mas esquece, por exemplo, de Werther de Goethe. Em um filme que se alimenta de tanta coisa e de tanta gente já visitada e revisitada, isso parece resumir parte das influências e dos problemas de um filme que trabalha tanto com amor, metalinguagem, metáforas e arte, assim como os seus limites e sua ligação com a vida real – ou com o que pensamos ser real.

Do início ao fim, entre outras coisas, lembramos de Godard (O Desprezo), Almodóvar (Fale com Ela) e Woody Allen (Annie Hall), pra mim a citação mais explícita delas. Nada de novo, nem de melhor. Por outro lado, em meio a tantas referências (que poderiam ser homenagens gratuitas), é bom perceber uma voz própria – mesmo que pouco audível.
Ps: A sacada do continuísmo é muito boa.

Filme: Romance (idem, Brasil, 2008)
Direção: Guel Arraes
Elenco: Wagner Moura, Letícia Sabatella, Andréia Beltrão, Vladimir Brichta, José Wilker.

8mm
Festas e desejos...
Essa é a última edição de 2008 da coluna 70mm, que só volta 10 de janeiro. Uma pausa razoável para o réveillon e a ressaca do meu punhado de leitores (momento possessivo), de quem espero sempre o melhor.
Que o próximo ano seja marcado por filmes bons e ruins, já que o contraste ajuda a valorizar o(s) melhor(es). Que os bons venham em doses cavalares e os ruins em doses homeopáticas. Amém.

...para Itabuna e região
Pensei em fazer balanço em termos cinematográficos, mas desisti. Primeiro porque tem coisa que não abro mão de ver no cinema, o que significa que ainda não vi coisas que já estrearam e (ainda?) não passaram por aqui (caso do Queime depois de Ler, dos irmãos Coen), ou então que demoram uma eternidade pra chegar aos cinemas do Brasil – como o À Prova de Morte, de Tarantino.
De qualquer jeito, espero um 2009 melhor para a cidade e a região. Primeiro porque tento ser otimista nesse sentido, o que obviamente não quer dizer nada, já que isso não passa de uma torcida. E segundo porque já soube de um festival de cinema (não sei se de curtas ou do quê exatamente, só vi o final da entrevista da responsável pelo evento no programa Bem Viver, da TV Itabuna), marcado para julho – pelo que me lembro, o primeiro da cidade.
Vai que a gente consegue juntar uma meia dúzia de pessoas e, melhor, vai que a gente consegue levá-las a fazerem alguma coisa pelo cinema (ou pelos que gostam de cinema) daqui?! Bem, deve ser o espírito natalino, mas acho que ultrapassei todo e qualquer limite de otimismo agora...

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Imagens em: http://www.romanceofilme.com.br/

Vistos e/ou revistos durante a semana:
* Zeitgeist (2007), de Peter Joseph
* Sexo, Mentiras e Videotape (1989), de Steven Soderbergh
* Rede de Mentiras (2008), de Ridley Scott (cinema)
* Ratatouille (2007), de Brad Bird
* Romance (2008), de Guel Arraes (cinema)
* Superbad (2007), de Greg Mottola
* Rocky Balboa (2006), de Sylvester Stallone
* Fog City Mavericks – Os cineastas de São Francisco (2007), de Gary Leva

Alice*

Não precisa ofender pra atingir

Não costumo assistir a séries de TV, nem a minis, pois exigem uma disciplina excessiva e porque, como o ministério da saúde não adverte, elas podem causar dependência. Ainda assim, acho obviamente interessante uma Capitu da vida, baseado num cara que fala de gente e da gente (brasileiros) – Machado Assis. Mas, quebrando o protocolo, vou aqui falar de outra mini-série nacional, que desde sua proposta inicial me agradou um bocado: Alice (Brasil, 2008), produção HBO com direção geral de Sérgio Machado (Cidade Baixa) e Karim Aïnouz (Madame Satã, O Céu de Suely), e que acabou no último dia 14.

Dividida em 13 episódios semanais, a série narra a história da personagem homônima (interpretada pela talentosa Andréia Horta), que parte de Palmas para São Paulo. Curiosamente, o fato de a premissa ser clichê, com zilhões de pessoas fazendo percurso semelhante há décadas, me parece menos óbvio do que pouco explorado.

São Paulo é das maiores cidades do mundo e a maior metrópole de todo o hemisfério sul. Mas, cinematograficamente falando, ela é bem menos visitada do que Rio de Janeiro e Buenos Aires, só pra ficarmos na nossa América. E um seriado como Alice, apesar da visibilidade restrita (somente na TV paga ou pelo site da HBO na internet), parece peça importante para uma indústria do gênero – sem me alongar tanto nesse ponto homérico.

Primeiro porque temos a maior cidade do país como personagem – o que não é inédito nem em séries nem em filmes, mas explorar a questão com qualidade é sempre interessante. E segundo (mas não por último) porque temos outras metrópoles (além do Rio) com tamanho, gente e luzes suficientes para se comportarem como tal e abrirem uma espécie de ‘franquia’ – Salvador, BH, Porto Alegre, Brasília, Recife, Curitiba, Fortaleza, Manaus e Belém, todas com no mínimo dois milhões de habitantes em suas regiões metropolitanas. Isso pra se limitar às capitais mais populosas e esquecer de meio mundo nos cinco cantos do país. Ver pessoas dessas cidades falando dessas cidades significa (teoricamente) honestidade, diversidade e miscigenação cinematográfica, num potencial que talvez nenhum outro país (EUA?) tenha.

No que diz respeito à trama da série, em linhas gerais, ela é compreensivelmente previsível e esquemática para jovens em SP. Temos em Alice uma menina-mulher de interior (uma capital com 200 mil habitantes é interior quando comparada a São Paulo) recém-chegada numa metrópole, com o pacote completo do arquétipo, dos sonhos às bobagens.

Ela está no meio de quem bebe, fuma, transa, cheira e trai, não necessariamente nessa ordem, nem necessariamente com freqüências semelhantes. Também no meio de héteros, homos, curiosos (sem aparente preocupação em se assumirem como bis ou não), como também entre crianças, tios, pais, avós e afins. Essa coisa de tentar retratar muita gente interagindo com muita gente, de idéias e ideais diferentes, é um trunfo de Alice. Isso porque não se trata apenas de uma visão pretensamente sem preconceito e otimista daquele mundo próprio da série, mas sim uma transposição convincente de pessoas que conseguem conviver entre o caos assombroso e opções que supostamente só SP pode oferecer.

Todo os percalços dos personagens e especialmente de Alice mostram pouco de genuíno à primeira vista. Mas, bem feita e bem amarrada como foi, a série transforma esse suposto defeito em uma qualidade principal: fala de muitos para muitos, sem a pretensão megalomaníaca de soar como verdade universal, e sem colocar o tempo todo (só às vezes) a mão atrás da cabeça do espectador enquanto o chama de burro.

O mais próximo que Alice chegou do segundo caso talvez tenha sido no começo (explicativo demais) e nos dois últimos episódios, quando flertou descaradamente com o moralismo e o melodrama, mas felizmente não avançou nesse relacionamento. Para terminar a série, como aconteceu como todos os episódios (com exceção do penúltimo, um ótimo média-metragem por si só), vem a voz off, que confirma ainda mais a idéia de uma menor pretensão revolucionária em detrimento de um maior alcance de um público com bem pouca, mas ainda assim com um mínimo de inteligência. No final das contas, em meio a deslizes de um excessivo didatismo, a série funciona como tentativa válida de popularizar o que, apesar de pouco original, é bem feito.

Mini-série: Alice (idem, Brasil, 2008)
Direção geral: Karim Aïnouz e Sérgio Machado
Elenco: Andréia Horta, Carla Ribas, Regina Braga, Vinicius Zinn.

8mm
Sergipe triste

Um ponto realmente negativo (e discreto) da série diz respeito ao irritante retrato de um sergipano, que aparece acho que no penúltimo episódio. Ver uma série coordenada por um baiano e um cearense leva a crer que, quando vier à tona um personagem nordestino, ele seja tratado com um olhar diferente do ‘tipo exportação’, projetado por quem não conhece pra quem não conhece. O problema é que o cara (interpretado pelo ótimo soteropolitano João Miguel, de O Céu de Suely), empresário radicado em São Paulo há não sei quanto tempo, é um mal educado e matuto rude do período jurássico, que, entre outras coisas, vê a mulher como um bicho que precisa “comer direito e sem frescura” – ou coisa do tipo. O retrato decepciona por vermos nordestinos falando de nordestinos como qualquer um não-nordestino com ojeriza à região (e provavelmente sem conhecer) falaria.

Capitu

Queria ter visto tudo, mas só assisti a um capítulo de Capitu (Brasil, 2008), de Luiz Fernando Carvalho. O problema é que a mini-série, como foi apresentada, diz pra você cancelar qualquer compromisso durante quatro ou cinco noites seguidas, em dias úteis e no fim de semana. Mas, no único episódio que vi, fui de um quase êxtase ao desapontamento com uma irritante obviedade de escolha – mesmo que dentro de uma suposta coerência autoral.
Primeiro fiquei feliz em ver alguém com coragem para colocar Black Sabbath na trilha sonora de uma adaptação da Globo e de Machado de Assis. Mas, acho que ainda no mesmo bloco, me decepcionei quando ouvi Money de Pink Floyd numa hora que algum dos personagens falava em dinheiro (ou falta de, aqui pouco importa). A escolha pareceu preguiçosa, já que a música toca pouco e não se sustenta como um momento marcante pelo casamento som-imagem, mas apenas como um reforço talvez previsível e desnecessário da situação. Ainda assim, pelo que li e pelo que não vi, a série pareceu no mínimo interessante.

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Imagens em: http://www.alice-hbo.tv/

Vistos e/ou revistos durante a semana:
* Tudo Que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo (*Mas Tinha Medo de Perguntar) (1971), de Woody Allen
* Noites de Cabíria (1957), de Federico Fellini
* Hair (1979), de Milos Forman
* E Sua Mãe Também (2001), de Alfonso Cuarón
* Eu, Meu Irmão e Nossa Namorada (2007), de Peter Hedges (cinema)
* Max Payne (2008), de John Moore (cinema)
* Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças (2004), de Michel Gondry
* Pink Floyd ao vivo em Pompéia (1972), de Adrian Maben