Mamma Mia!*

Feminismo

Mamma Mia! (idem, EUA/ Alemanha/ Reino Unido, 2008), de Phyllida Loyd (que só tinha dirigido um filme pra TV anteriormente), foi uma grata surpresa em uma semana que parecia completamente insossa no cinema aqui em Itabuna. Um filme que consegue ser o que muito filme quer ser e não consegue, ou não tem coragem de admitir.

Grande parte do mérito está numa das bandas que mais embalou boites afora nos anos 70: ABBA. Os suecos não tinham um cuidado extraterreno na composição musical, muito menos ligação direta com a música erudita, mas fizeram sucesso durante certo tempo com um som minimamente pessoal e bem pop, acessível a qualquer um.

Como musical, Mamma Mia! se liga imediatamente a Across the Universe (2007), de Julie Taymor, e, com boa vontade, a Moulin Rouge (2001), de Baz Luhrmann. Esse último entra como exemplo de como uma referência futura e presente de como se fazer um musical sem nenhuma música original (que eu me lembre) e mesmo assim chegar a um resultado autoral e bem acabado. Ali vemos mescla de músicas de quatro (ou até mais) décadas diferentes numa roupagem que faz você acreditar que ali está a trilha sonora de duas ou três gerações.

Já em Acrosse the Universe temos um musical baseado nas músicas de um banda – no caso, os Beatles –, também como aqui. Só que em Mamma Mia!, obviamente, as músicas parecem muito mais datadas (especialmente se comparado a Moulin Rouge), já que ABBA, fundada em 1971 (dois anos antes do primeiro álbum) e findada em 1983 (dois anos após o último álbum), não passava a pretensão de ficar para a eternidade. E assim parece ser também o filme, que investe muito mais no que cada música já representava do que numa roupagem nova (musicalmente falando) a cada uma delas.

Como esperado, Meryl Streep é o pilar de tudo, já que seu talento para atuar é maior do que qualquer coisa que esteja ali. Ela interpreta Donna Sheridan, mãe de uma filha (Sophie, interpretada por Amanda Seyfried) que não sabe quem é o pai, e que descobre que nem a própria mãe sabe.

Aí aparece o primeiro traço de feminismo do filme. As mulheres que comandam, enquanto os homens são submissos, imploram, esperneiam e só conseguem o que querem após aprovação ou consentimento das mulheres. Elas são “promíscuas” (de família), independentes, e eles fracassados, geralmente também românticos. Numa cena próxima a um cais, as mulheres exalam felicidade, independência e espontaneidade. No mesmo lugar, quando é a vez dos homens se divertirem, a coisa leva um tom muito mais homo-erótico-pastelão – lembra Priscilla, a Rainha do Deserto (1994). Não é um filme feminino, mas sim feminista caricato (se é que isso existe).

Curioso também que, mesmo sendo um musical e tendo músicas com sonoridades praticamente iguais às de 30 anos atrás, o filme consegue manter um fio narrativo que se sustenta razoavelmente bem tanto pelos diálogos como pela trilha sonora, num encaixe acima da média para o gênero. Por outro lado, o que muitas vezes prende (e ao mesmo tempo distrai) a atenção ou é a paisagem (obviamente perfeita, com locações da Grécia à Califórnia), com personagens, história e até música em segundo plano, ou a quantidade estratosférica de cortes. Outro ponto é que não há números ou coreografias memoráveis, que corroboram ainda mais a idéia de que você vários videoclipes dentro de um só gigantesco, e não um musical. No good.

Vale frisar também que Mamma Mia! passa ok enquanto não se leva a sério. Um exemplo claro disso é quando uma discussão dramática-conflituosa se torna ultra constrangedora, porque gente do mundo de Alice volta repentinamente para o mundo dos terráqueos – e quebra todo o clima construído até ali.

Como esperado, o seu final é devidamente feminista, e a lógica do mundo de cá (ausente em quase todo o filme) é deixada de lado pela lógica do lado de lá. Mas talvez relevável, principalmente por tudo que foi honesta e fantasiosamente construído – mesmo que às vezes pouco elaborado. Um alto astral que pode levar à condescendência e que deixa tudo ok.

Filme: Mamma Mia! (idem, EUA, Alemanha e Reino Unido, 2008)
Direção: Phyllida Loyd
Elenco: Meryl Streep, Amanda Seyfried, Stellan Skarsgård, Pierce Brosnan e Colin Firth.

8mm
(Falta de) som
Não consegui encontrar na Internet como é o sistema de som de Mamma Mia!, mas fiquei com a impressão de que faltava alguma coisa no áudio. O som não parecia um Dolby, e em alguns poucos momentos tinha um abafa típico de mono. Além de um pouco baixo. Não sei se o problema era da cópia, do próprio filme (acho difícil) ou do áudio da sala – ou até comigo. Se ajudar o Starplex, vi o filme na terça-feira (28) às 17 horas.

Tema irrelevante: Quando digo feminismo, isso não tem ligação nenhuma com a qualidade do filme. Você pode ter uma coisa que transpira misoginia, como Cães de Aluguel (1992), de Tarantino, e ainda assim ser muito bom e com mulheres entre fãs do filme. Já um outro filme (teoricamente) sobre amor pode ser um lixo de plástico encomendado, como o Noites de Tormenta, comentado aqui semana passada. Se preferir, você ainda pode entrar no mundo imoral de obras-primas como O Poderoso Chefão (1972), Scarface (1983), Bons Companheiros (1990) e Fogo contra Fogo (1995) – entre algumas outras dezenas. Pessoas e temas detestáveis podem resultar em ótimos filmes, assim como idéias e mensagens ótimas podem se transformar num martírio de duas horas. O óbvio ululante da semana.

“Os” caras: Falando em Fogo contra Fogo, cadê o As Duas Faces da Lei? Não li nada de bom sobre o filme, mas é apenas a segunda (a outra foi em Fogo contra Fogo) e talvez a última vez em que Robert de Niro (65) e Al Pacino (68) contracenem juntos. Por pior que seja, a pergunta é: quando foi a última vez que você viu dos dois maiores atores dos últimos quarenta anos atuando juntos?

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Imagens em: http://www.paramountpictures.com.br/mammamia

Noites de tormenta*

Emoção de plástico

Assisti a Noites de Tormenta (Nights in Rodanthe, EUA/Austrália, 2008), de George C. Wolfe, na quarta-feira, depois de achar que dificilmente assistiria a algo tão ruim quanto o filme anterior que vi no cinema: Missão Babilônia. Não acreditava que Richard Gere e Diane Lane pudessem estar em uma coisa tão ruim quanto eu temia. Resultado: nunca subestime seu pessimismo.

O filme até que começa bem, apesar de já inconstante. Somos apresentados à família de Adrienne (Diane Lane), mãe de um filho (mais novo e decorativo) e uma filha – mais velha e caricata/doidinha até a medula. Adrienne é recém-desquitada, seu ex-marido – Jack Willis (Christopher Meloni) – é um canalha, que dá um chilique constrangedor para tentar voltar a ela. Os dois não chegam a um consenso, ele viaja com os filhos, e ela diz que vai pensar enquanto toma conta de uma pousada para uma amiga, que também vai curtir em algum canto – depois de salientar para Adrienne o quão escroto Jack é.

Depois do piti bem fraquinho, os (mais ou menos) 15 minutos seguintes do filme não conseguem, mas até que tentam salvar o filme. Eles funcionam como um bom road movie (que o filme não é), ao levar você a querer viajar, tomar um vinho (ou não), curtir a paisagem por onde passar, as pessoas que vai conhecer, e tudo de bom que pode acontecer em uma viagem. Parte desse mérito está na belíssima North Carolina (especialmente seu litoral), aqui fotografada pelo brasileiro Affonso Beato – que já trabalhou com Walter Salles, Stephen Frears e Pedro Almodóvar, além de Glauber Rocha.

Mas os principais problemas de Noites de Tormenta aparecem junto com o Dr. Paul Flanner (Richard Gere). Ele viaja para a dita pousada, onde encontra Adrienne e lá permanece como o único hóspede durante um fim-de-semana – ou um feriadão, não lembro, mas você acredita que isso é possível. O fato de terem filhos e serem divorciados aumenta uma natural empatia entre eles, e o resto você pode imaginar.

A previsibilidade do roteiro não chega nem a ser o ponto mais fraco, porque muito mais do que a repetição de clichês, o jeito de filmar não convence. As duas cenas de sexo (aquilo é sexo?) são púdicas, e não transbordam tesão algum – e eles ainda transam em condições adversas. Para um filme que toma o rumo que toma, é essencial fazer os laços entre os dois parecer real – logo, é importante fazer o sexo parecer sexo.

Se sexo mais real resultaria em censura maior e mais problemas para público e retorno de dinheiro, que se investisse na relação de carinho, de companheirismo, no crescimento dessa relação entre duas pessoas maduras – ele com seus 50 e poucos, ela com seus 40 – e carentes. Exemplo bom disso é Encontros e Desencontros (2003), de Sofia Coppola, que mistura sutileza, graça e autoralidade que faltam aqui.

O que também prejudica o maior investimento nesse relacionamento é a quantidade de assuntos delicados abordados. Além de uma relação conturbada dentro de duas (ou até três) famílias, temos morte de mãe, morte de pai, morte de filho. O roteiro é um genocida que não consegue encontrar o balanço ideal entre crueldade e realidade, e com isso não parece chegar nem perto do choro que busca do público.

Após tons devidamente melodramáticos, o final do filme tenta ser onírico e recompensador para aquele que ama. O que fez eu me lembrar imediatamente de Ondas do Destino (1996), de Lars Von Trier, em caminho semelhante, mas com uma direção que faz você acreditar que vê em pessoas de carne e osso, além de sexo, carinho e amor de verdade. O que definitivamente não acontece aqui.

Filme: Noites de Tormenta (Nights in Rodanthe, EUA/Austrália, 2008)
Direção: George C. Wolfe
Elenco: Richard Gere, Diane Lane e Christopher Meloni.

8mm
Já foi bom: Curiosamente, Richard Gere (veja só) está até razoável e Diane Lane melhor ainda, mas ambos (e especialmente ela) passam a impressão de terem caído nas mãos erradas. Principalmente se lembrarmos de Infidelidade (2002), dirigido pelo indecente (isso é um elogio) Adrian Lyne (Proposta Indecente, Lolita) e estrelado justamente pelos dois.

Guerra Fria e 007 atualizados: Arquivo X – Eu Quero Acreditar (2008), e Missão Babilônia (2008) – principalmente esse segundo – faz você achar que vê um filho (bastardo) de 007 em tempos de Guerra Fria. Russos perversos, Rússia (e países da ex-União Soviética) pior ainda e o ídolo-herói americano com a missão a ser cumprida. Só que ao invés de Roger Moore ou Sean Connery, temos... er... Vin Diesel.

Não quero entrar numa discussão sobre quão imbecis e estúpidos podem ser os dois países, nem agora os dois presidentes – Medvedev e Bush, esse já de saída. Mas imaginar coisas piores foi o que mais ficou dos dois filmes, o que é duplamente ruim.

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Imagens em: http://nightsinrodanthe.warnerbros.com/

Casa da Mãe Joana*

Ode à preguiça...

Fui assistir a Casa da Mãe Joana (idem, BRA, 2008), de Hugo Carvana, na expectativa de ver um filme... er... bom. Li coisas boas de gente boa sobre ele, e como sempre vivo em busca de motivos para me tornar otimista, lá fui eu todo serelepe. Apesar de ter sido a sessão mais cheia que fui em um bom tempo aqui em Itabuna, me desculpem, mas não bateu.

A abertura do filme é relevante e tenta justificar os inúmeros defeitos da obra como um todo, já que vemos um castelo de conto de fadas, que busca fazer você acreditar na realidade própria do filme. Tentativa coerente e louvável, mas o que vem a seguir não funciona assim.

A primeira cena, depois de uma apresentação de créditos de gosto bem duvidoso, é feliz ao brincar com a interpretação inicial sobre a lógica daquilo. Você é chamado de burro e dá risada, percebendo o sentido da coisa e ficando feliz com a sacada. Problema é quando, depois de apresentar gente malandra feita de carne e osso, começa um outro filme, que parece um sitcom mal tratado.

Na grande maioria das comédias, o humor deve estar ligado em 220v, mas aqui está quase sempre em 110v, e algumas vezes com lapsos de completa falta de energia. Existem cenas com relativa autoralidade, mas puns, bundas e piadas prontas soam pastelões demais e criativas de menos.

Outro problema é a dificuldade para se lidar com o passar do tempo, que parece ser claramente uma junção de defeito no roteiro e na direção – e que a edição não poderia consertar nem se quisesse. Maior ainda que isso, apesar de talvez menos perceptível, é a construção do ambiente – alô, direção de arte?! Como pode tanta gente preguiçosa, que se mostra como um grupo de quatro amigos tão profundo quanto a bandeija de garçom que no sonho traz o whisky para eles, ter pôsteres de Che Guevara, Truffaut e The Who? Ídolos?

O único jeito de tentar explicar isso é visualizar que os personagens ali na verdade são (ou foram) muito mais do que estão na tela. Mas só se consegue imaginar isso se soubermos que o filme foi concebido graças a uma experiência de Hugo Carvana, que na juventude dividiu um apartamento no Leblon. Isso reforça a impressão de que o filme e os personagens estão em órbitas, talvez até galáxias diferentes – e nunca passam perto enquanto giram, e quando giram.

Ainda assim, é bom vermos o Rio de Janeiro – ou qualquer lugar – enfim urbano, e não mais um cine-favela pronto pra virar exportação. E também um final com uma ironia afiada, que alfineta muita gente e o país como um todo. Só seria melhor se essa mensagem fosse dita sem a voz off, da narração. Do jeito que ficou, foi como explicar uma piada.

Esse final resume pelo bem e pelo mal o filme, que não consegue fazer você entrar no mundo sugerido por ele (pelo menos eu não consegui), num misto de fantasia e preguiça. Essa última, infelizmente, soa presente até no resultado final.

Filme: Casa da Mãe Joana (idem, BRA, 2008)
Direção: Hugo Carvana
Elenco: Hugo Carvana, José Wilker, Paulo Betti e Pedro Cardoso.

8mm
Genérica: Quem ver Tainacã (!) no filme pode acreditar que ela é interpretada por Deborah Secco – eu saí da sessão achando que ela era. Mas, não era ela, e sim Fernanda de Freitas. Ela já trabalhou em Zuzu Angel (ainda não vi), Cidade Baixa e Tropa de Elite – não lembro dela em nenhum dos dois. Alguém se ligou?

Todo mundo nu: Sobre o manifesto anti-nudez de Pedro Cardoso. Existem roteiristas, diretores e atores, e roteiristas, diretores e atores – todos eles ligados aos filmes. Mas, antes do filme, todos os atores lêem roteiros e conversam (ou deveriam) com diretores. Só fazem o que querem, com quem querem e na frente de quem quiserem.

Felizmente, graças a coisas como Cidade Baixa (do baiano Sergio Machado, 2005), O Céu de Suely (do cearense Karim Aïnouz, 2006) e agora a mini-série da HBO Alice (só pra citar o que me lembro agora), temos cenas de nudez e sexo justificáveis (pelo contexto) e excepcionalmente bem filmadas. Nisso somos fo*a! Literalmente.

Humor (quase) negro: Uma das cenas do filme que tenta ser engraçada reúne Paulo Betti e uma “companheira”. O que mais ficou pra mim da cena é a lembrança de como morreu Michael Hutchence, vocalista do INXS. É quase uma piada de humor negro – só que sem graça.

Casa da Mãe Joana (em Itabuna): Tentei assistir ao “Bezerra de Menezes” na quinta-feira (16), mas não dá dizer que consegui. Imediatamente atrás de mim, uma mãe muito bondosa levou também sua filhinha de seus quatro, cinco anos, sei lá – que falou a sessão inteira. O filme é censura livre, ok, mas cadê o mínimo de bom senso? Será que ela não conhece ninguém que possa ficar com a filha durante duas horas? Prejudicada pelos chiliques naturais da pestinha, toda a sala agradeceria.

* Coluna 70mm originalmente publicada no jornal semanário O Trombone – Itabuna-BA.

Imagens disponíveis em http://www.casadamaejoanaofilme.com.br/

Hellboy

Capetinha boa praça

Bem, após essa breve introdução de Domingos*, acho válido dizer que esse texto que vocês lêem agora nasceu prematuro. O papo foi quarta à noite e tive de fazer tudo até a meia-noite de quinta, quando acabei de escrever o que acho sobre Hellboy 2 – O Exército Dourado (Hellboy 2 – The Golden Army, EUA/Alemanha, 2008)¹, do mexicano Guillermo del Toro.

O filme começa com uma explicação em texto, assim como o primeiro (de 2004), e um breve retorno à infância do nosso protagonista. Um início (talvez desnecessário) pensado para quem não viu o nascer e as primeiras peripécias do garoto do inferno – afinal de contas, os produtores não querem imaginar uma alma sequer que deixe de ver a continuação porque não viu o primeiro.

Concessões geralmente não são legais, mas mesmo com elas, Hellboy transborda o tato de quem o dirige, e isso é sempre bom (e difícil) em continuações com orçamento generoso – aproximadamente US$ 72 milhões de dólares. Del Toro, um meninão crescido, competente e apaixonado pelo horror-fantástico, delicia os fãs do gênero com monstros-personagens que exalam uma bizarrice autoral muito bem vinda.

A ligação com as criaturas de O Labirinto do Fauno (2006), o filme anterior de Del Toro, são imediatas e inevitáveis, e esse talvez seja o maior problema dessa continuação. Da idéia de fábula ao visual e concepção dos monstros, a semelhança é menor com Hellboy do que com o último filme do mexicano. O mais diferenciado aqui é o vilão, o príncipe Nuada, que parece um vocalista (mais) estilizado de banda norueguesa de black metal.

Uma coisa, porém, está presente nos filmes de Del Toro e aqui incomoda um pouco: a tentativa de suavizar/camuflar alguns cortes. A mais justificável (e difícil) das idéias de se fazer isso foi em Festim Diabólico (1948), de Hitchcock. O problema é que (além de um não ser o outro), mais até do que nos outros filmes, a coisa parece satisfazer mais uma mania do que uma função narrativa.

Por outro lado, num diferencial especialmente do filme de 2006, o que temos aqui é uma adaptação de história em quadrinhos para encher multiplexes, graças especialmente às (bem filmadas) muitas e longas seqüências de ação, que não deixam ninguém dizer que o filme é chato – e que também fazem você imaginar que escrever o roteiro não foi das tarefas mais árduas.

Vale dizer também que nosso herói (Ron Perlman, devidamente irreconhecível) está bem, próximo do limite ideal entre o humano e o obviamente fantasioso. O humor também está ok e aqui até Selma Blair (que interpreta Liz Sherman, paixão do Hellboy) está mais... er... carismática.

O filme tem lá suas afetações e concessões, mas funciona. Graças principalmente a Del Toro por trás das câmeras, é um passatempo acima da média, inclusive nos problemas, mas que passa pelo toque pessoal.

8mm
Parabéns – Falando em Guillermo Del Toro, o diretor mexicano fez aniversário na quinta-feira, 9 de outubro (quando John Lennon completaria 68 anos). Latino, 44 anos, sete filmes (longas) e uma indicação ao Oscar – de melhor roteiro por O Labirinto do Fauno em 2007. Nada mal.

Três – Espero impaciente por três filmes – com possibilidade, creio eu, de passarem aqui em Itabuna. O primeiro é Linha de Passe, de Walter Salles e Daniela Thomas, dupla de Central do Brasil que ainda não pisou na bola e parecem ter feito o melhor filme da parceria até agora. O segundo é Ensaio sobre a Cegueira, de Fernando Meirelles, que me atrai mais pra saber como um brazuca se sai dirigindo tanta gente boa junta, e baseado num livro quase sacro. E o terceiro é Velha Juventude (estreou por agora no Festival do Rio), de Francis Ford Coppola (trilogia de O Poderoso Chefão, Apocalypse Now), que ficou dez anos sem oficialmente dirigir nada. Outra obra-prima?

Eternidade – Cadê o novo do Quentin Tarantino, Europa Filmes?! Mais de um ano depois da estréia do filme em Cannes, nada de previsão oficial e defintiva para o Brasil até agora. A demora pra a chegada de À Prova de Morte (Death Proof) já virou uma eterna prova de paciência.

* Texto de estréia da coluna 70mm, publicada no semanário O Trombone – Itabuna-BA.

¹ Visto no cinema – 7 de outubro de 2008.

Planeta Tarantino

Hoje vi o Planeta Terror* (Planet Terror, 2007, EUA), a parte do Robert Rodriguez do Grindhouse (idem, 2007, EUA). Continuo achando que Rodriguez consegue a façanha de filmar cenas geniais e, num mesmo filme, ter momentos de uma criança apaixonada por cinema que tá pegando pela primeira vez numa câmera – não falo aqui de problemas técnicos e derivados, que fazem parte da idéia do Grindhouse, mas do filme e sua coerência como um todo.

Pra resumir, gostei, apesar do eterno sabor amargo rodrigueano, mas também acho que o cara tem feito coisas cada vez mais bem acabadas. Até como compositor, já que a trilha original talvez seja a melhor coisa do filme. O problema é que ele não tem o talento que imagina ter como cineasta – ou que faz você acreditar, durante alguns segundos, não sei. E isso faz eu pensar cada vez mais em uma coisa: QT e seu Death Proof (2007).

Penso porque o Planeta Tarantino é desde sempre mais interessante do que o do seu amiguinho texano. Europa Filmes, cadê vocês?

* Visto em DVD – 28 de julho

Ps: Segundo episódio de Alice daqui a pouco...

Ah, Alice...

Hoje vi a apresentação da HBO para a série Alice, produzida pelo canal e que estréia na América Latina no próximo dia 21. E digo que, depois de fazer uma escala em Júpiter, minha expectativa pela coisa já está em Netuno, prestes a se perder em seu tamanho desmedido.

Três motivos para isso: Karim Aïnouz e Sérgio Machado como roteiristas e diretores gerais, série filmada em película, e atriz principal transbordando um carisma sem igual. Visualize uma expressão que passa um carinho maior até do que Hermila Guedes. Pois é: Andréia Horta, que é justamente a Alice.

Ah, perdão, você pergunta de que diabos se trata Alice? Pois bem, ela é uma mulher que vem de Palmas-TO para São Paulo – inicialmente para ficar três dias, salvo engano – e lá passa por coisas guiadas pela dupla já citada.

O elenco chama a atenção, assim como as (não tão) poucas imagens mostradas nessa apresentação de hoje. Imaginar Sérgio Machado e principalmente Karim Aïnouz (são outros dois diretores, mas minha expectativa cai notadamente sobre eles) dirigindo aquilo é realmente animador. Que eu não quebre a cara.

Glória...

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Christiane Kubrick (se vendo) em Glória feita de sangue (Paths of Glory, EUA, 1957)*, de seu seu falecido esposo. Que sabia filmar. E que também sabia escolher uma esposa/atriz/não atriz.

Era uma vez...

Mais uma vez...

A sessão de Era Uma Vez... (BRA, 2008) no Semcine, em Salvador, fez eu me sentir um imbecil em Cannes, hiperbolizando o acontecimento. Antes da projeção, os principais atores do filme subiram ao palco da imponente sala principal do Teatro Castro Alves acompanhados do diretor Breno Silveira, que quase recita uma poesia para interpretar o filme por todos nós. No final, uma platéia ensandecida aplaudiu a coisa, alguns em pé, fazendo eu acreditar estar numa projeção de um vencedor da Palma de Ouro.

A história é simples: ele (Dé, interpretado por Thiago Martins) é um trabalhador honesto, um "exemplo" de pessoa, que faz tudo por todo mundo e não usa drogas, mesmo que toda a sua trupe o faça: ele é o clássico-bonzinho-com-cara-de-coitado-sem-dinheiro por quem deve se fazer tudo no roteiro para que o rapaz ganhe a empatia de todo mundo. Já ela (Nina, interpretada por Vitória Frate) é a menina linda e igualmente boazinha, só que entupida de dinheiro e de carência, uma vez que o mundo que ela vive é obviamente fútil, e ela é muito mais que isso. Para completar, temos ainda a favela e a praia cariocas prontas para exportação, explicitada através do imponente símbolo da Columbia na abertura do filme.

Antes da projeção, Breno Silveira falou que não importava se uma história ou um tema eram simples ou batidos, mas o importante era como isso seria contado. Nada mais óbvio. O problema é que a história dele, escrita por Patrícia Andrade – a mesma dupla de Dois Filhos de Francisco (2005) –, não tem nada de muito de genuíno. Como ele explicou (argh!) antes da sessão, o filme tenta levar você às risadas e às lágrimas em altas proporções e a todo momento: praticamente uma novela.

Temos basicamente uma clássica história de amor, com toques de Cidade de Deus (2002) e de Tropa de Elite (2007) – é verdade. E se nesse último a questão sócio-político-econômica já poderia ser considerada fascista, no caso de Era uma vez... a irresponsabilidade atinge um grau ainda maior, apesar de menos presente – o que não abona a maneira rasa e banal como a relação tráfico-favela-zona nobre é tratada aqui.

Mas, no fundo e no final, o filme é uma história de amor, que ironicamente, para chegar à sua resolução catártica, acaba precedido por uma seqüência de provas de burrice e de falta de amor. É verdade que inteligência e amor dificilmente caminham lado a lado, mas as armadilhas provocadas pelo roteiro, mesmo que resultem num até esperado melodrama, são tão ilógicas que fazem você se perguntar onde está tanto amor.

Ainda assim, vale dizer que Era Uma Vez... é tecnicamente bem feito e relativamente bem atuado, especialmente os personagens periféricos. Como um todo, os personagens principais ainda oscilam um pouco, mas se sobressaem em meio a todo o filme.

ssas atuações e uma boa intenção de falar de amor, contudo, não salvam Era uma vez..., que mesmo assim deve ser um sucesso estrondoso de bilheteria. Plagiando um amigo, Era uma vez... poderia se chamar Mais uma vez...

Visto no dia 22 de julho no Teatro Castro Alves – Salvador.

Wall-E

Não só o filho dos pais

A dignidade voltou. Pelo menos no que diz respeito ao fato de um filme bom ser citado aqui. E em dose dupla. O texto que vou abortar aqui (pressa pra terminar de editar o vídeo ali) é escrito depois de duas sessões de Wall-E (idem, EUA, 2008). E no cinema!

A sinopse é a seguinte: lá pelos idos de 2700, já com a certeza de nenhum de nós por aqui, um simpático robozinho vagueia solitário por um planeta Terra decrepto. Esse robozinho boa praça, cuja única companhia é uma baratinha não menos legal, chama-se Wall-E – “Waste Allocation Load Lifter - class Earth”, ou “empilhadeira de carga para distribuição de lixo - classe Terra”.

A idéia de um ser não humano em nosso planeta já foi explorada por nada menos que E.T (1982), de Spielberg, um daqueles filmes que até os que odeiam cinema provavelmente já viram. E o maior exemplo de ficção científica futurística-espacial remete a 1968, com Kubrick, autor daquilo que dizem ser um filme, mas que eu mesmo não sei o que é: 2001 - Uma Odisséia no Espaço. 2001, aliás, que 40 anos depois vê um filho seu com E.T. ter características descaradamente sugadas dos pais, mas ainda assim com vida própria.

Não só a idéia de um ser solitário na terra se parece com o filme de Spielberg, como também a forma como este ser vai se humanizando, se relacionando e conquistando a empatia da gente. De 2001, temos Hall na versão 2008 (ou 2700, que seja), desde o visual à idéia de construção e desenvolvimento do computador como personagem (!). E temos ainda a trilha – que eu me lembre, são duas músicas do filme de Godstan.

Curioso também que Wall-E, no fim das contas, não é um filme infantil, mesmo que tenha nas crianças boa fatia do público. Crianças, aliás, que não devem agüentar o imenso (e lindo) período sem diálogos, assim como muita coisa que definitivamente não vejo entrando na cabeça de gente que ainda está no primário. Posso estar subestimando as crianças, ou estar me achando uma mistura de Godard com Einstein, mas pra mim Wall-E consegue ser muita coisa ao mesmo tempo – e pouca coisa infantil.

É, até porque precisa ser, um filme com um toque de humor inocente, infantil. É também uma visão pessimista, conformista, alienada das coisas e do futuro (já presente), ao mesmo tempo que consegue ser uma poesia visual onírica, que mescla referências explícitas com imagens pessoais. Para completar, é ainda uma história de amor entre robôs. E de heróis – porque o filme é norte-americano do início ao fim, passando pela auto-crítica (?).

Wall-E é podre de fofinho e carregado com muito de reciclagem, de homenagem e de "pré-conceitos". Mas ainda assim, é um filme que funciona por si próprio. E muito bem.

Visto no dia 27 de junho e revisto em 13 de julho – nas duas vezes no cinema

Ps: Obrigado, Pixar. Como se não bastasse manter o nível das animações lá no espaço (aqui literalmente), o tradicional curta de antes do filme é sensacional.

Melhor amigo da noiva, O

Um bom filme ruim

Prólogo envergonhado: Quando eu decidi criar um blog, jamais imaginei fazer o que vou fazer. Mas, sabe como é, quando as teias de aranha tomam conta de alguma coisa, o desespero bate e o responsável por essa coisa perde a racionalidade. Não se acostumem, mas vai lá: texto sobre MOH.

Sim, vi O Melhor Amigo da Noiva (Made of Honor, EUA/Reino Unido, 2008), outro enlatado cômico-constrangedor-romântico pra a coleção de multiplexes. E, veja só que coisa, o filme é carregado com todas as espécies de clichês e de regras, do roteiro Syd Fieldiano ao final, e até que funciona como uma coisa divertida.

Os estereótipos devidamente caricatos (!) estão lá: 1) o garanhão (aqui de meia-idade, não o de American Pie) que não come duas vezes a mesma mulher (Patrick Dempsey); 2) a mulher perfeita mas encalhada e que vai ficar com ele (Michelle Monaghan); 3) o imbecil que quer ser esportista mas que é completamente loser e está ali somente para fazer os outros rirem do constrangimento alheio (acho que Kevin Sussman, fuçando no IMDB); 4) e mais o rival a ser batido, aqui Kevin McKidd, o Tommy de Trainspotting.

Cada respiração, cada tipo de relacionamento, cada idéia da tela, parece ser possível somente em outro mundo. Ou em Hollywood – o que dá no mesmo. À primeira vista, isso obviamente não é legal, mas o filme mantém a sua coerência, e isso é sempre bom.

De coisas legais, podemos falar da referência válida a Kill Bill (que já pode ter sido referência a outra coisa que não conheço), depois com Oasis e sua Stop Crying Your Heart Out. E do final que oscila entre uma coisa novela das oito e A primeira noite de um homem – isso não é spoiler, mas sim podre de previsível. Paul Weiland pode até ser mais um diretor de aluguel, mas pelo menos bom gosto o cara deve ter.

Anyway, MOH é mais um desses enlatados, isso é verdade, mas até que diverte – e cada cena, cada fala, cada peido aqui é feito pra isso.

Como reflexão exata do filme, vale dizer que não faltaram imbecis para bater palma em cena er... “vitoriosa”, mas esse filme é feito pra eles. E pra quem precisa atualizar o blog.

Visto no cinema no dia 26 de junho

Ps: O filme é o último em que Sydney Pollack atua. Pode não ser fim ideal, mas merece crédito. RIP, Sydney.

Ps2: Wall-e e Blow Out fizeram eu ter certeza (como se precisasse) que MOH realmente não é um filme bom.