Fim

Caros e caras,

Hoje, pelo menos por enquanto, paro de escrever semanalmente por aqui. Para os que não ficam feliz com a decisão, se é que existe alguém com tal pensamento, deixo claro que a ideia já flertava comigo há algum tempo. Se não é algo definitivo, também não é inconsequente.

Nesses dois anos da coluna 70mm, que começou impressa em outubro de 2008 em O Trombone, escrevi textos que me agradaram, outros nem tanto. Faz parte do ser crítico, especialmente quando a periodicidade independe da inspiração.

Outro porém é que, cada vez mais, os textos me agradavam menos. O amor pelo cinema e o amor pelas palavras se juntaram à auto-crítica e tornou decisão inevitável.

Há quase dois anos, depois de investir em e fundar projeto, deixei de lado. Sabia de seu potencial, todos do meio sabem da referência internacional que virou, mas se sinto orgulho de ter sido parte, sei que o fim foi melhor para os dois. (Falo do Olheiros.) Se tivesse continuado, o projeto não andaria tão bem, pois não teria o melhor de mim, que talvez não tivesse hoje o carinho e a afeição que tenho por quem ali foi parceiro.

O mesmo vale para hoje. Agradeço a Domingos (O Trombone) e a Davidson (Pimenta na Muqueca) pela oportunidade. Mas, vocês sabem, existem as outras atividades, os outros projetos, os outros sonhos. E em meio a tudo isso, existe o prazer e o tempo.

Com a coluna, com o que sinto escrevendo-a e relendo-a, eles estão cada vez mais escassos. Longe de ser exclusivo, não vivo sem eles. Se ler, ver e escrever são necessidades, gostar do resultado também é. O retorno dessa sensação, não tenho dúvidas, significará o retorno dos textos.

Cabeça a Prêmio*

O poder da dúvida

É difícil falar de Cabeça a Prêmio (idem - 2009), estreia de Marco Ricca na direção, sem entrar no seu desenvolvimento. Para evitá-los, melhor dizer que, como gênero, vai além da competência, e ressalvas, embora pareçam claras, potencializam roteiro em resultado forte e corajoso.

São mundos diferentes de pessoas que residem ou convivem em mesma área, na zona fronteiriça de Brasil, Paraguai e Argentina. Temos um latifundiário, que não é apenas isso, temos um funcionário que não se limita à propriedade, e temos histórias que não se cruzam, mas que nascem convincentemente interligadas.

Um assassinato nos apresenta à história. Os personagens de Eduardo Moscovis e Cássio Gabus Mendes desempenham a mesma função, mas se mostram com personalidades opostas. O porém é que Marco Ricca investe em um realismo tão forte quanto convincente em todo o resto do elenco (muito bom, de Fulvio Stefanini a Alice Braga e o uruguaio Daniel Hendler). Com isso, não dá para enxergar os dois como arquétipos parte do suspense e do drama, mas figuras próximas a caricaturas em tom destoante do filme. O que se torna ainda mais visível no fim, quando reviravolta é tão inesperada quanto coerente com esse comportamento.

Mas se o desfecho – e a sequência – da cena que reúne quatro elementos, por um lado, tem esse porém, a última tomada é nada menos que brilhante, como quase todo o resto do filme.

O movimento é tenso e lento, mas justificável e compreensível. Ali, como nas outras quase duas horas de projeção, temos alguém com domínio do meio, um diretor de talento que parece estar no quarto ou quinto longa-metragem do gênero, e que ainda tem perceptível algo a dizer. Vemos o medo e a incerteza, o ódio e o sangue, da família e o escorrido. Tudo em meio a algo que, como ela, sempre teremos: a dúvida.

Visto no Espaço Unibanco/Cine Glauber Rocha – Salvador, outubro de 2010.

Ps infeliz: único filme visto na semana.

Apenas o Fim*

Um início

No fim das contas, o que mais fica de Apenas o Fim (idem – Brasil, 2008), de Matheus Souza, é a expectativa do porvir. Não só pelo fato de o diretor ter apenas 19 anos quando o fez, mas também porque o que ali existe de discutível parece ser (em visão otimista) menos um problema e mais um modo simples de fazer cinema.

São dois personagens, um homem e uma mulher (os bons Gregório Duvivier e Érika Mader), que diz estar de partida e que tem apenas uma hora para ficar com ele. Woody Allen e Domingos Oliveira, Richard Linklater e seu Antes do Pôr-do-Sol são as óbvias e principais referências ou lembranças. São, em suma, 80 minutos de um filme falado, calcado na palavra de dois personagens e de poucos coadjuvantes.

Pode-se dizer que a mise-en-scène beira o desleixo de tão minimalista, mas sua função parece ser, primeiramente, não atrapalhar o texto; pode-se ainda frisar a crítica ao alegar que ou ele não domina a linguagem, ou a relega para segundo plano.

Por outro lado, da mesma forma que o conteúdo de alguns filmes está na forma, no estilo, é lógico dizer que a relevância de sua obra está no diálogo, na escrita a mão. A palavra é o que importa, a comédia vem em seguida. E nos dois casos ele funciona, especialmente por causa do caráter nonsense, que atinge níveis estratosféricos.

São comentários sobre Backstreet Boys, Star Wars, Transformers e Godard; aranhas, terapia, He-Man, e Itabuna e sua mosquitada.

Em quase todos esses momentos, todavia, Matheus Souza deixa clara a diferença de investimento, a límpida preferência de profundidade para o homem. Ele é tão mais interessante quando fala que ela se assemelha a um subterfúgio para que ele (personagem) divague, da mesma maneira que o audiovisual fica como apenas o meio para que ele (diretor) exercite o que sabe fazer. Quando se exige uma sensibilidade mais aguçada, como no momento em que o casal chora, ele (via atores) demonstra que não transpõe a sensação, para a tela, com a mesma fluência.

Ao término, pode-se falar em exibicionismo, como também pode-se dizer que, pelo menos aqui, Matheus Souza dá sinais de ser mais esperto e inteligente que cinematográfico. Mas esse porém, pequeno, pode ser uma simples questão de (falta de) experiência. E, mesmo que não seja, seria ótimo se as falhas da média de filmes do gênero, no Brasil, fossem como as daqui.

Visto em DVDRip – Salvador, setembro de 2010.

Filmes da semana:
1. Lola Montés (1955), de Max Ophüls (DVDRip) (***)
2. Coco Chanel e Igor Stravinsky (2009), de Jan Kounen (Cinema do Museu) (***)
3. Uma Mulher é Uma Mulher (1961), de Jean-Luc Godard (DVDRip) (***1/2)
4. Noite de Estréia (1977), de John Cassavetes (DVDRip) (****)
Curta:
5. Os Filmes que eu não fiz (2008), de Gilberto Scarpa (Canal Brasil) (**1/2)
6. Noite de Sexta Manhã de Sábado (2006), de Kleber Mendonça Filho (Vimeo) (****)

Filmes do mês:
10. Uma Mulher é Uma Mulher (1961), de Jean-Luc Godard (DVDRip) (***1/2)
9. O Sol por Testemunha (1960), de René Clément (DVD) (***1/2)
8. Apenas o Fim (2008), de Matheus Souza (DVDRip) (***1/2)
7. Tudo Pode dar Certo (2009), de Woody Allen (Cinema do Museu) (***1/2)
6. Meu Nome é Sabine (2007), de Sandrine Bonnaire (Sala Walter da Silveira – DVD) (***1/2)
5. Noite de Estréia (1977), de John Cassavetes (DVDRip) (****)
4. Antes do Amanhecer (1995), de Richard Linklater (Cine Vivo – DVD) (****)
3. Os Incompreendidos (1959), de François Truffaut (Sala Walter da Silveira – DVD) (****)
2. Antes do Pôr-do-sol (2004), de Richard Linklater (Cine Vivo – DVD) (****1/2)
1. Lola (1982), de Rainer Werner Fassbinder (DVD) (****1/2)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Wall Street - O Dinheiro Nunca Dorme*

A puta que nunca dorme

Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme (Wall Street - Money Never Sleeps – 2010, EUA) é, basicamente, o Oliver Stone (Assassinos por Natureza, Platoon, JFK) de sempre. Aquele que usa o que critica, aquele que é a incoerência personificada na arte que faz. Mas, isto à parte, a continuação do filme de 1987 é um dos filmes menos infelizes do diretor.

Gordon Gekko (Michael Douglas) é enfim solto, sua filha Winnie é namorada de Jake Moore, (Shia LaBoeuf) homem de Wall Street, no que pode soar tanto como imprevisto do funcional destino como outra manipulação pouco convincente de Stone. Com sua tradicional sutileza de elefante, a abertura mostra como pai e filha, cada um na sua visão, reagem à libertação do Gekko mais velho.

Durante mais de duas horas, Stone bate na bolsa de valores, na especulação, na obsessão por ganhos, empréstimos e negócios; em suma, ele dá (de novo) várias pauladas no capitalismo essencialmente norte-americano. Em meio a isso, ele acrescenta mudanças de rumo de personagens, dramas e crises familiares. Tudo é até bem escrito e amarrado, dentro dos padrões Stonianos, e atuado (sejamos justos, ele não é um ruim diretor de atores), e o maniqueísmo não é tão extremo: tanto Gordon como Jake têm momentos ruins. Até Stone fazer o que, normalmente, ele faz.

A família, a obsessão pelo dinheiro e o que o seu excesso faz, são dois dos pilares do american way of life que Stone tanto combate, mas são justamente o dinheiro e a família falam mais forte; deu tudo certo, no melhor estilo americano. Pode-se dizer que ele faz uma constatação, só que o cheiro não é de um olhar, de uma opinião, mas de um determinismo aliado a concessão – mesmo que insconsciente, caso ele tenha tido o corte final. A crítica que ele faz se dilui, o final não deixa espaço para a dúvida ou a ironia.

Em uma das falas de Gordon, ele diz que “o dinheiro é uma puta que nunca dorme”. Ela é apenas uma das interessantes frases de efeito e boas ideias do filme, cheio delas. Mas, desde a poluição e a confusão das telas divididas ao didatismo da amostra da alternativa energética, Stone acredita mais em seus ideais que na construção que possa fazer alguém levá-lo a sério como tudo que parece querer ser: antropólogo, sociólogo, político e, quando possível, cineasta. Bons momentos se perdem em meio às opções dadas pela puta que nunca dorme.

Visto, em cabine de imprensa, no Cinemark – Salvador, setembro de 2010

Filmes da semana:
1. Os Incompreendidos (1959), de François Truffaut (Sala Walter da Silveira – DVD) (****)
2. Quem Matou Leda (1959), de Claude Chabrol (Sala Walter da Silveira – DVD) (**1/2)
3. Apenas o Fim (2008), de Matheus Souza (DVDRip) (***1/2)
4. Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme (2010) (Cinemark – Cabine de imprensa) (**1/2)
5. Insolação (2009), de Felipe Hirsch e Daniela Tomas (Cinemark) (**)

* Coluna 70mm também publicada em www.pimentanamuqueca.com.br.

Nosso Lar*

O cinema morre

Em Nosso Lar (idem – Brasil, 2010), Wagner Assis pode deixar muitos com vontade de morrer. Se esse foi seu desejo, bingo; mas se ele quis chegar a um resultado que, além da religião, demonstrasse fé no meio usado para tal, ele falhou.

Desde toda a publicidade envolvendo as cifras (teoricamente R$ 20 milhões), muito se falou dos efeitos especiais. O porém é que quase todas computações gráficas chamam mais atenção para si que ajudam na criação de um filme além do deleite de imagens. Por “imagens”, no entanto, vejo uma espécie de deslumbramento “arquitetônico” e religioso que não vão além disso. As palavras, as imagens, os efeitos, todos são apenas belezas individuais (palavras e efeitos nem isso) e narcisistas; não formam um todo.

Assis não parece acreditar no cinema que faz, mas na ideia que faz do que seria um cinema se feito no mundo espiritual. Uma mistura entre Niemeyer (citado por Inácio Araújo) e Walt Disney com efeitos americanos década de 80; só que acrescido de açúcar e álcool. A soma é mundo perfeitamente asséptico no qual, entre reacionários, encarnações e fins, há sempre uma nova chance.

É nisso que Assis acredita, o que ele deixa claro a cada cena, muito mais do que cinema. A quem ele não deu chance alguma.

Visto no Shopping Barra – setembro de 2010 .

8mm
Superoutro

Poderia falar horas sobre Superoutro (1989), de Edgard Navarro, mas dificilmente falaria algo de novo ou, pelo menos, relevante. Dito isto, só friso uma impressão: não sei em qual filme dos últimos 20 anos, entre os feitos aqui, temos uma Salvador tão pulsante. Se há, ou não vi ou não lembro.

Filmes da semana:
1. Antes do Pôr-do-sol (2004), de Richard Linklater (Cine Vivo – DVD) (****1/2)
2. Nosso Lar (2010), de Wagner de Assis (UCI Orient Shopping Barra) (**)
Curta:
3. Gibraltar e as Bicicletas (2009), de Marccela Vegah (Youtube) (***)
Média:
4. Superoutro (1989), de Edgard Navarro (TVRip) (****)

* Coluna 70mm também publicada no www.pimentanamuqueca.com.br.

Tudo pode dar certo*

Ainda dá certo

No retorno a Nova Iorque, com Tudo Pode Dar Certo (Whatever Works – EUA/ França, 2009), Woody Allen se liberta de vez. Não que ele estivesse enclausurado, mas se especialmente em Match Point e Sonho de Cassandra ele esteve naturalmente ligado a projetos densos e tensos, limitado pelo tema e testado pela necessidade de domínio do drama e até certo ponto do suspense, aqui ele volta a despejar toda sua veia cômico-pessimista. A aparência de completa despreocupação com a formalidade dos outros filmes é tão gritante quanto saudável, e mostra que ele ainda pode oscilar com algum êxito entre extremos.

Aqui, ele está menos Dostoievski e mais Groucho Marx. Seu pessimismo – através de Boris Yelnikof (ótimo Larry David) –, é direto, ofensivo, jogado na cara do espectador quase que literalmente, só que sem deixar de ser jocoso. Como em Annie Hall, e provavelmente em outro filme que não lembro, ele volta a falar para a câmera. As sempre presentes e funcionais caricaturas usadas quando busca o riso, por sua vez, são influenciadas como nunca pelo acaso (naturalmente “fabricado” por ele), mas essa obsessão talvez contribua para tornar as caricaturas e as mudanças menos críveis que nos melhores momento do autor.

Nesse caso, o maior exemplo é a pudica interiorana que chegou à meia idade com raros contatos sexuais com apenas um homem, e que, graças a um latente talento para fotografia, se descobre. A mudança é radical para o liberalismo: ela passa a ser a insaciável artista, com orgulho de, e que vive com dois homens.

Pode-se alegar, com boa dose de razão, que tanto o humor como o cuidado na escrita de Allen já foram mais sutis. Essa até certo ponto indelicadeza, contudo, está em sintonia não apenas com o estado bruto e inesperado de determinadas “sortes”, mas também com o que Boris pensa da vida.

Entre sequências louváveis, é inevitável lembrar o porquê de seu primeiro relacionamento ter dado errado, o momento em que Beethoven bate à porta de Melody (a sempre capaz Evan Rachel Wood), o raciocínio em que um personagem justifica o “fato” de Deus ser gay, e quase tudo falado por Boris.

Mesmo quando sua rabugentice talvez o leve a um aparente (e talvez exista) desleixo, aos 75 anos, Woody Allen ainda passa a impressão de ser alguém com certo tesão em filmar, com algo a dizer. Imaginá-lo ainda filmando, no Rio, com Carla Bruni, são coisas que ainda trazem expectativa.

Revisto no Cinema do Museu – Salvador, setembro de 2010.

Filmes da semana:
1. Antes do Amanhecer (1995), de Richard Linklater (Cine Vivo – DVD) (****)
2. Lola (1982), de Rainer Werner Fassbinder (DVD) (****1/2)
3. Os Intocáveis (1987), de Brian de Palma (DVD) (***)
4. O Sol por Testemunha (1960), de René Clément (DVD) (***1/2)

* Coluna 70mm também publicada em www.pimentanamuqueca.com.br.

Apenas um Beijo*

Além do beijo

Apenas um Beijo (Ae Fond Kiss – Inglaterra/ Bélgica/ Alemanha/ Itália/ Espanha/ 2004), de Ken Loach, pode ser vista como apenas mais uma história de amor com doses de impossibilidade. Não é – ainda que sua exceção esteja mais no conflito que na execução.

Aqui, Loach deixa um pouco sua vertente operária, que por vezes não (me) convence, para investir em melodrama amoroso com potencial imenso. Ele trabalha com alguns dos principais problemas causados por um relacionamento entre (teoricamente) um muçulmano paquistanês e uma inglesa católica.

Convenhamos, uma coisa teoricamente já saturada é a crítica aos radicalismos e puritanismos de determinadas religiões, mas a sua abordagem ganha força porque exemplifica mais do que fala. Para isso, no entanto, ele não precisa caricaturar demais os que estão nelas. Dentro do possível, ele humaniza todos os lados.

Logicamente, ao se tratar tema tão espinhoso e complexo, pode-se massacrar Loach e seu final aparentemente simplório, como – o que prefiro – pode-se dizer que ele escolheu um final seguro; que os outros podem chamar de covarde.

Ele deixa claro que as polêmicas são muito maiores que seu alcance, e que ele prefere soltar vários questionamentos, não resolvê-los.

Como tratado sobre diferenças, expõe até o que acha válido para o tipo de filme que fez. Menos político e mais romântico. Sem a pretensão de revolucionar, funciona relativamente bem nos dois casos.

Visto no Cine Vivo – Salvador, agosto de 2010.

Filmes da semana:
1. Meu Nome é Sabine (2007), de Sandrine Bonnaire (Sala Walter da Silveira – DVD) (***1/2)
2. Nós que aqui estamos por vós esperamos (1998), de Marcelo Masagão (Cinema da Ufba – DVD) (**1/2)
3. Tudo Pode dar Certo (2009), de Woody Allen (Cinema do Museu) (***1/2)

* Coluna 70mm também publicada em www.pimentanamuqueca.com.br.

Os Mercenários*

Potencializado por verdade cruel

Se for para escolher apenas uma palavra que resuma o que Sylvester Stallone tem feito desde Rocky Balboa (2006), ela é honestidade – mas a limitação é injusta. O homem que nasceu para ser Rocky, e personificou Rambo, chega em Os Mercenários (The Expendables – EUA, 2010) a uma feliz mistura dos dois; com o adendo de que a clara dose de anacronismo não está no filme, mas nos personagens – o que torna o resultado ainda mais atraente.

Como geralmente acontecia com Rocky, tudo aqui remete a um retorno inesperado na vida real. Não só na premissa e no elenco (com ele, Schwarzenegger, Mickey Rourke e Bruce Willis em filme de ação), mas também no caso de Gunner (Lundgreen).

O Rambo são todos eles, potencializados por viverem em época marcada pelo política e irritantemente correto, que não comporta mais Rambos. Mas comporta cada vez mais gente que faz qualquer coisa por dinheiro, onde se encaixam. Essa é a impressão passada por todos eles, isso é o que eles fazem questão de dizer. No entanto, o que toca é a dignidade (latente ou não) de cada um deles, mercenários por opção.

Na conversa entre Tool (Mickey Rourke) e Barney (Stallone), este pergunta o que pode levar a filha do ditador da ilha de Vilena a não deixar o lugar. “Uma causa”, responde Tool, “nós não temos mais pelo que lutar, ela sim”. Na mesma fala, Tool conta acontecimento que, para ele, marcou a última oportunidade de salvar sua alma. Oportunidade que ele perdeu.

Ali, Rourke e Stallone se confundem com seus personagens, todos passam a representar uma geração alienada – em outra análise, a “década perdida” dos anos 80.

A década onde havia ditadura ou resquícios dela na América do Sul, ditadura que temos no filme. Este fato, todavia, é um subterfúgio, não o foco. Embora o começo na Somália pareça ligado a uma postura política atual, a preocupação de Sly com a vida real parece existir apenas (ou muito mais) para potencializar o efeito do cinema que faz.

É o que acontece quando vemos aqueles senhores de volta à pancadaria, é assim quando vemos Sly apanhar, é assim quando vemos a aparição de Schwarzenegger.

Disfarçada de picaretagem com um quê digno de antologia, assim como quase todos os diálogos (Stallone em parceria com Dave Callaham), a cena começa genial, tanto pelas imagens como pela palavra (“tinha que escolher meu maior rival?”), e termina melhor ainda com um “ele quer ser presidente”.

Nela, novamente, Sly se utiliza de um passado e de um presente de imagens e conceitos coletivos para fazer o cinema turbilhar de maneira que, se está longe de ser a mais brilhante no sentido acadêmico de filmar (o que ele abandonou), é das mais pessoais. Com o mérito maior não para caráter político (que não pode ser levado a sério), não para a decupagem das cenas de ação (ininteligíveis em momentos, competentes na maioria das inúmeras outras vezes), mas para o que ele fez com o seu cinema. Que – outra vez o final é prova disso –, além de não comportar mais emoções baratas, não se resume a uma simples egotrip. O que ele faz é um cinema, e dos bons.

Visto no UCI Multiplex Iguatemi – Salvador, agosto de 2010

8mm

Tinha escrito também um texto (para a 8mm) sobre o bom Apenas um Beijo (2004), de Ken Loach, mas perdi tudo com morte do computador. Como já era quinta, e tinha perdido também o texto sobre Sly, decidi (re)escrever apenas um. Agradeço a compreensão.

Filmes dos últimos 15 dias:

1. Vincere (2009), de Marco Bellocchio (Cinema do Museu) (***)

2. Todas as Noites (2001), de Eugène Green (Sala Walter da Silveira) (***1/2)

3. A Religiosa Portuguesa (2009), de Eugène Green (Sala Walter da Silveira) (***1/2)

4. O Último Mestre do Ar (2010), de M. Night Shyamalan (UCI Multiplex Iguatemi – Cabine de imprensa) (**1/2)

5. Labirinto de Paixões (1982), de Pedro Almodóvar (**1/2) (DVDRip)

6. O Mundo Imaginário de Dr. Parnassus (2009) (**1/2)

7. Apenas um Beijo (2004), de Ken Loach (2004) (Cine Vivo) (***1/2)

8. Os Mercenários (2010), de Sylvester Stallone (***1/2) (UCI Multiplex Iguatemi)

Curta:

9. Doido Lelé (2010), de Ceci Alves (Sala Walter da Silveira) (**1/2)

Melhores do mês:

10. Uma Noite em 67 (2009), de Renato Terra e Ricardo Calil (Cinema da Ufba) (***)

9. Canção de Baal (2010), de Helena Ignez (Teatro Castro Alves) (***)

8. Vincere (2009), de Marco Bellocchio (Cinema do Museu) (***1/2)

7. Todas as Noites (2001), de Eugène Green (Sala Walter da Silveira - DVD) (***1/2)

6. Apenas um Beijo (2004), de Ken Loach (Cine Vivo) (***1/2)

5. A Religiosa Portuguesa (2009), de Eugène Green (Sala Walter da Silveira) (***1/2)

4. Antes que o Diabo Saiba que Você está Morto (2007), de Sidney Lumet (2007) (***1/2)

3. Os Mercenários (2010), de Sylvester Stallone (UCI Multiplex Iguatemi) (***1/2)

2. O Escritor Fantasma (2010), de Roman Polanski (****)

1. À Prova de Morte (2007), de Quentin Tarantino (****1/2)

* Coluna 70mm também publicada em http://www.pimentanamuqueca.com.br/.

Tô Frito

Especialmente para os soteropolitanos, estreei nessa semana como blogueiro do Terra. Diariamente, de segunda a sexta, escrevo sobre a cidade e minha relação com ela.

Ainda tateio postura. Critiquem: http://tofrito.terra.com.br/blog/bahia

Sem texto

Por problemas diversos, sem texto nessa semana. Na próxima sexta-feira, no entanto, a 70mm volta à ativa normalmente.