Glória...

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Christiane Kubrick (se vendo) em Glória feita de sangue (Paths of Glory, EUA, 1957)*, de seu seu falecido esposo. Que sabia filmar. E que também sabia escolher uma esposa/atriz/não atriz.

Era uma vez...

Mais uma vez...

A sessão de Era Uma Vez... (BRA, 2008) no Semcine, em Salvador, fez eu me sentir um imbecil em Cannes, hiperbolizando o acontecimento. Antes da projeção, os principais atores do filme subiram ao palco da imponente sala principal do Teatro Castro Alves acompanhados do diretor Breno Silveira, que quase recita uma poesia para interpretar o filme por todos nós. No final, uma platéia ensandecida aplaudiu a coisa, alguns em pé, fazendo eu acreditar estar numa projeção de um vencedor da Palma de Ouro.

A história é simples: ele (Dé, interpretado por Thiago Martins) é um trabalhador honesto, um "exemplo" de pessoa, que faz tudo por todo mundo e não usa drogas, mesmo que toda a sua trupe o faça: ele é o clássico-bonzinho-com-cara-de-coitado-sem-dinheiro por quem deve se fazer tudo no roteiro para que o rapaz ganhe a empatia de todo mundo. Já ela (Nina, interpretada por Vitória Frate) é a menina linda e igualmente boazinha, só que entupida de dinheiro e de carência, uma vez que o mundo que ela vive é obviamente fútil, e ela é muito mais que isso. Para completar, temos ainda a favela e a praia cariocas prontas para exportação, explicitada através do imponente símbolo da Columbia na abertura do filme.

Antes da projeção, Breno Silveira falou que não importava se uma história ou um tema eram simples ou batidos, mas o importante era como isso seria contado. Nada mais óbvio. O problema é que a história dele, escrita por Patrícia Andrade – a mesma dupla de Dois Filhos de Francisco (2005) –, não tem nada de muito de genuíno. Como ele explicou (argh!) antes da sessão, o filme tenta levar você às risadas e às lágrimas em altas proporções e a todo momento: praticamente uma novela.

Temos basicamente uma clássica história de amor, com toques de Cidade de Deus (2002) e de Tropa de Elite (2007) – é verdade. E se nesse último a questão sócio-político-econômica já poderia ser considerada fascista, no caso de Era uma vez... a irresponsabilidade atinge um grau ainda maior, apesar de menos presente – o que não abona a maneira rasa e banal como a relação tráfico-favela-zona nobre é tratada aqui.

Mas, no fundo e no final, o filme é uma história de amor, que ironicamente, para chegar à sua resolução catártica, acaba precedido por uma seqüência de provas de burrice e de falta de amor. É verdade que inteligência e amor dificilmente caminham lado a lado, mas as armadilhas provocadas pelo roteiro, mesmo que resultem num até esperado melodrama, são tão ilógicas que fazem você se perguntar onde está tanto amor.

Ainda assim, vale dizer que Era Uma Vez... é tecnicamente bem feito e relativamente bem atuado, especialmente os personagens periféricos. Como um todo, os personagens principais ainda oscilam um pouco, mas se sobressaem em meio a todo o filme.

ssas atuações e uma boa intenção de falar de amor, contudo, não salvam Era uma vez..., que mesmo assim deve ser um sucesso estrondoso de bilheteria. Plagiando um amigo, Era uma vez... poderia se chamar Mais uma vez...

Visto no dia 22 de julho no Teatro Castro Alves – Salvador.

Wall-E

Não só o filho dos pais

A dignidade voltou. Pelo menos no que diz respeito ao fato de um filme bom ser citado aqui. E em dose dupla. O texto que vou abortar aqui (pressa pra terminar de editar o vídeo ali) é escrito depois de duas sessões de Wall-E (idem, EUA, 2008). E no cinema!

A sinopse é a seguinte: lá pelos idos de 2700, já com a certeza de nenhum de nós por aqui, um simpático robozinho vagueia solitário por um planeta Terra decrepto. Esse robozinho boa praça, cuja única companhia é uma baratinha não menos legal, chama-se Wall-E – “Waste Allocation Load Lifter - class Earth”, ou “empilhadeira de carga para distribuição de lixo - classe Terra”.

A idéia de um ser não humano em nosso planeta já foi explorada por nada menos que E.T (1982), de Spielberg, um daqueles filmes que até os que odeiam cinema provavelmente já viram. E o maior exemplo de ficção científica futurística-espacial remete a 1968, com Kubrick, autor daquilo que dizem ser um filme, mas que eu mesmo não sei o que é: 2001 - Uma Odisséia no Espaço. 2001, aliás, que 40 anos depois vê um filho seu com E.T. ter características descaradamente sugadas dos pais, mas ainda assim com vida própria.

Não só a idéia de um ser solitário na terra se parece com o filme de Spielberg, como também a forma como este ser vai se humanizando, se relacionando e conquistando a empatia da gente. De 2001, temos Hall na versão 2008 (ou 2700, que seja), desde o visual à idéia de construção e desenvolvimento do computador como personagem (!). E temos ainda a trilha – que eu me lembre, são duas músicas do filme de Godstan.

Curioso também que Wall-E, no fim das contas, não é um filme infantil, mesmo que tenha nas crianças boa fatia do público. Crianças, aliás, que não devem agüentar o imenso (e lindo) período sem diálogos, assim como muita coisa que definitivamente não vejo entrando na cabeça de gente que ainda está no primário. Posso estar subestimando as crianças, ou estar me achando uma mistura de Godard com Einstein, mas pra mim Wall-E consegue ser muita coisa ao mesmo tempo – e pouca coisa infantil.

É, até porque precisa ser, um filme com um toque de humor inocente, infantil. É também uma visão pessimista, conformista, alienada das coisas e do futuro (já presente), ao mesmo tempo que consegue ser uma poesia visual onírica, que mescla referências explícitas com imagens pessoais. Para completar, é ainda uma história de amor entre robôs. E de heróis – porque o filme é norte-americano do início ao fim, passando pela auto-crítica (?).

Wall-E é podre de fofinho e carregado com muito de reciclagem, de homenagem e de "pré-conceitos". Mas ainda assim, é um filme que funciona por si próprio. E muito bem.

Visto no dia 27 de junho e revisto em 13 de julho – nas duas vezes no cinema

Ps: Obrigado, Pixar. Como se não bastasse manter o nível das animações lá no espaço (aqui literalmente), o tradicional curta de antes do filme é sensacional.

Melhor amigo da noiva, O

Um bom filme ruim

Prólogo envergonhado: Quando eu decidi criar um blog, jamais imaginei fazer o que vou fazer. Mas, sabe como é, quando as teias de aranha tomam conta de alguma coisa, o desespero bate e o responsável por essa coisa perde a racionalidade. Não se acostumem, mas vai lá: texto sobre MOH.

Sim, vi O Melhor Amigo da Noiva (Made of Honor, EUA/Reino Unido, 2008), outro enlatado cômico-constrangedor-romântico pra a coleção de multiplexes. E, veja só que coisa, o filme é carregado com todas as espécies de clichês e de regras, do roteiro Syd Fieldiano ao final, e até que funciona como uma coisa divertida.

Os estereótipos devidamente caricatos (!) estão lá: 1) o garanhão (aqui de meia-idade, não o de American Pie) que não come duas vezes a mesma mulher (Patrick Dempsey); 2) a mulher perfeita mas encalhada e que vai ficar com ele (Michelle Monaghan); 3) o imbecil que quer ser esportista mas que é completamente loser e está ali somente para fazer os outros rirem do constrangimento alheio (acho que Kevin Sussman, fuçando no IMDB); 4) e mais o rival a ser batido, aqui Kevin McKidd, o Tommy de Trainspotting.

Cada respiração, cada tipo de relacionamento, cada idéia da tela, parece ser possível somente em outro mundo. Ou em Hollywood – o que dá no mesmo. À primeira vista, isso obviamente não é legal, mas o filme mantém a sua coerência, e isso é sempre bom.

De coisas legais, podemos falar da referência válida a Kill Bill (que já pode ter sido referência a outra coisa que não conheço), depois com Oasis e sua Stop Crying Your Heart Out. E do final que oscila entre uma coisa novela das oito e A primeira noite de um homem – isso não é spoiler, mas sim podre de previsível. Paul Weiland pode até ser mais um diretor de aluguel, mas pelo menos bom gosto o cara deve ter.

Anyway, MOH é mais um desses enlatados, isso é verdade, mas até que diverte – e cada cena, cada fala, cada peido aqui é feito pra isso.

Como reflexão exata do filme, vale dizer que não faltaram imbecis para bater palma em cena er... “vitoriosa”, mas esse filme é feito pra eles. E pra quem precisa atualizar o blog.

Visto no cinema no dia 26 de junho

Ps: O filme é o último em que Sydney Pollack atua. Pode não ser fim ideal, mas merece crédito. RIP, Sydney.

Ps2: Wall-e e Blow Out fizeram eu ter certeza (como se precisasse) que MOH realmente não é um filme bom.

Redundância

Entre Barcelona e Nova York

Dia desses fui reler os capítulos de Scorsese e de Woody Allen no livro Grandes Diretores de Cinema. Nele, Marty diz que o principal erro a ser evitado por um cineasta é o da redundância.

Pois bem. Alguns dias depois vejo Barcelona (idem, EUA, 1994), de Whit Stilmann, cuja narração em off chama o espectador de cego sempre que possível. O filme também tem outros defeitos e alguns méritos, mas isso não vem ao caso.

O assunto aqui é voice-over e redundância – por mais que Marty não tenha falado exatamente de off naquele ponto do livro. Lembro de Scorsese e imediatamente de Bons Companheiros justamente por achar aquilo uma aula (mas não só) de off. Taxi Driver e especialmente Laranja Mecânica são outros dois (exemplos óbvios) que me vêm à mente como coisas irretocáveis nesses e em quase todos os outros pontos.

Lembro também de Medo e Delírio em Las Vegas (preciso rever), com narração excessivamente descritiva e literária, mas ao mesmo tempo importante pra tudo aquilo. E de Dogville, que oscila entre um off (e um filme) perfeito e um ou outro momento que incomoda. Sim, eu adoro Dogville, apesar de não achá-lo uma obra extra-terrena, mas isso também não vem ao caso.

The point is: quero off's decentes!

Juno

Vitória da endorfina

Resisti à oferta de Divx's da vida e enfim vi no cinema (onde qualquer filme deve ser visto – pelo menos pela primeira vez) Juno (Juno, EUA/ Canadá, 2007), de Jason Reitman, essa coisa super-cultuada como filme-fofinho-original-independente-bem-escrito-e-dirigido. O resultado é realmente legal, tem seus momentos, mas no fundo e no fim não tem tanta originalidade quanto parecia (ou diziam) ter.

A história gira em torno de Juno (Ellen Page), que engravida de seu melhor amigo. A construção dessa relação, por mais irrelevante que pudesse ser, é fraca. Somente uma cena demonstra um grau de intimidade muito acima da média. Ainda assim, a relação entre “melhores amigos que transaram uma vez”, poderia ser simplesmente uma relação de “conhecidos que transaram uma vez”.

É estranho também alguém ser tão tímido, passar uma idéia quase assexuada – reconhecida pela própria família de Juno –, e ainda assim conseguir ser o melhor amigo de uma menina doidinha-punk-fã-de-cinema-gore. Esse alguém, aliás, é o tímido-nerd-assexuado-engraçado-bobão, que parece ter sido clonado de Superbad (2007) para cá. Michael Cera (aqui no personagem de Paulie Bleeker), bom nos dois papéis, corre o risco de virar o ator de espelho, com apenas pseudônimos para se interpretar – o que espero não acontecer, porque o garoto parece ter potencial. De qualquer jeito, ele funciona para dar aos outros personagens e ao público um caráter divertido, engraçadinho e constrangedor – bem-vindo quando o constrangido não é você.

Pensando nessas coisas, e em outros tantos momentos do filme, fico com a impressão de que Jason Reitman e nossa queridíssima Diablo Cody, a ex-stripper roteirista do filme, estavam muito mais preocupados em fazer um filme acessível a todo mundo e engraçado do que realmente em construírem personagens convincentes – mais bem vindos e necessários aqui do que em Superbad, por exemplo. Exceção feita a Juno, os outros são tratados na maioria das vezes com a profundidade de uma bandeja de garçom – e isso não me parece legal pela idéia do filme e do tratamento dado a Juno.

Outro momento que ilustra bem essa questão é quando Juno vai falar aos pais que está grávida. Sua melhor amiga está presente e dando pitacos (óbvia e previsivelmente engraçadinhos), e a reação dos pais é surreal, mas naturalmente divertida. A reação soa fake de uma maneira incoerente com a postura do tratamento dado a Juno. Outro ponto é o até interessante casal que aparece na história: Mark (Jason Bateman) quase tão bem construído como Juno, apesar de insosso demais, e Vanessa, que se mostra expressiva em uma aqui boa Jennifer Garner, mas que pouco faz além de funcionar como uma figura decorativa em um ou outro momento engraçado. Novamente, tem-se a impressão de que o “fazer rir” é 468 mais importante que um conteúdo.

Mas Juno, o filme, não é uma bomba e tem seus momentos e méritos pessoais. Primeiro, vale dizer que Juno, a personagem, não é explicitamente julgada nem tida como uma heroína. Ela é um adolescente de 16 anos que fez uma besteira, como gente mais velha e supostamente mais madura faz. E é mostrada assim. A atuação de Ellen Page também é ótima, e só não é perfeita porque ela oscila entre o real convincente (maior parte) e o caricato-engraçadinho.

Os defeitos do filme são parcialmente encobertos pelos pontos positivos, uns esperados e outros imprevisíveis em produções do gênero (?!). A incessante vontade de te fazer rir às vezes funciona, e o tema escolhido, bem como o tratamento dado à personagem principal, são válidos e fogem bem pouco da regra.

O que não foge, no entanto, é o fim, excessivamente fofinho, assim como as atitudes que levam a esse término, pouco convincentes – talvez se eu realmente tivesse 16 anos aceitasse aquilo, mas apenas talvez. Por outro lado, a cena final tem lá seu quê de original e marcante, mais até do que famigerada trilha que marca todo o filme, bonita e válida, mas que beira a irritação pelo exagero.

Terminada a sessão, fiquei com a impressão de que Diablo Cody (talvez talentosa mas aparentemente não genial) imaginava que não tinha como esse roteiro, com um diretor minimamente competente, não ser pelo menos sucesso de bilheteria entre os adolescentes. É no fundo uma coisa com um fundo sério que se perde e que serve pelo menos para se dar risada, o que universalmente faz bem, do cinéfilo mais ranzinza ao imbecil mais risonho. É pouco, pode não ser suficiente, mas até que funciona como um bom passatempo, que entretém mais do que ofende. Isso é válido.

Visto no cinema no dia 9 de abril

Divago

Então...

Na empolgação de poder ver em Salvador filmes que jamais passariam a menos de 400 quilômetros daqui, prometi que falaria sobre o novo de Paul Verhoeven (de RoboCop, Instinto Selvagem), A Espiã (Zwartboek, Holanda/Bélgica/Inglaterra/Alemanha, 2007), e o de Todd Haynes (de Velvet Goldmine), o Eu não estou lá (I’m Not There, EUA/Alemanha, 2007). Vi ambos, como queria, mas não vou dar estrelinhas, como de costume, e sim apenas divagar sobre o que me deixou intrigado.

Gostei e desgostei dos dois, por motivos completamente opostos e que, complementados, dão uma obra-prima. No caso de Verhoeven, foi ótimo ver um filme de duas horas e meia e em nenhum momento ter vontade de olhar o relógio. Coisa boa, especialmente por se tratar da segunda guerra mundial, o que significa inconscientemente prever quase sempre alguma escrotidão dos alemães, de alguém do eixo ou de algum traidor.

Ainda assim, A Espiã tem algum (mesmo que um tanto discreto) diferencial, ritmo, cenas realmente muito boas e bem filmadas. Temos em Verhoeven um vovô pervertido que não perdeu o talento pra filmar cenas picantes, e que consegue mostrar de nus frontais a sexo (quase) explícito com tesão, toque autoral e uma naturalidade bem vinda e (aqui) coerente. Num projeto que há muito tempo ele pretendia filmar. Felizmente, não perdeu as manhas.

Onde estou (louco)?
Já o caso de Eu não estou lá, o filme de Todd Haynes sobre as 764 facetas de Bob Dylan, é o oposto. Um biofilme nada convencional, estranho mesmo, com idéias e estilização válidas, daquelas que fazem você abrir a mente e ter idéias loucas. Parece um filme de um universitário genial ou de um jovem cineasta ultra-talentoso mas ainda imaturo.

O problema é que o que sobra em um filme falta em outro. Diferente do caso de Verhoeven, onde temos duas horas e meia de um filme que te prende a atenção mesmo sem ser genialmente original na sua forma narrativa, aqui a coisa parece ficar cansativa, apesar de algumas imagens e momentos realmente legais, divertidos e inesperados. Quando olhei pra o relógio pela primeira vez, jurava que o filme estava no fim, mas ainda faltava quase uma hora.

Outra coisa que chama a atenção é o fato de um holandês, europeu que filmou mais de duas décadas na Holanda antes de ir para Hollywood, voltar para seu país de origem e fazer um filme bem “hollywoodiano” no sentido da história contada, do início ao fim e passando pelo flashback. E um diretor norte-americano faz um filme pra lá de arrojado no sua essência, embora traga não muita coisa além de uma ótima idéia e um experimentalismo válido.

Bem, tem muito mais coisa que me chamou atenção e que eu gostaria de comentar, mas tenho o TCC pra consertar e coisas pra ler.

Filmes vistos em cinemas nos dias 20 e 21 de março

De Olhos Bem Fechados

Suspense doentio-sexual

De Olhos Bem Fechados (Eyes Wide Shut, EUA, 1999), o último filme de Stanley Kubrick, é admirado e amado por alguns, mas renegado por outros, que argumentam ser um dos piores, se não o pior filme do cineasta. Pra mim, EWS (abreviação em inglês para o nome original – o que vou usar no decorrer do texto) funciona da seguinte maneira: uma obra-prima que tem os poucos defeitos encobertos pela sua capacidade de funcionar como uma coisa completamente viciante e que ganha um novo significado a cada revisão. É provavelmente o filme que mais revi nos últimos doze meses: acho que foram cinco vezes.

Para começar, vou falar do pouco que me incomoda, até porque não vi como encaixar isso lá embaixo. Em alguns diálogos, você se pergunta cadê a lógica pra se levar àquela situação, enquanto que em outros você quer saber onde se escondeu a inteligência ou o mínimo de bom senso dos personagens; se isso não irrita, também não convence como esperado. Por outro lado, é algo relevável. Primeiro, pelo ritmo e pelas atuações do filme, que têm o toque peculiar e assumidamente não tão natural de Kubrick. Segundo porque, numa conversa onde não há espaço para se pensar muito, algumas vezes não se diz o que você diria se tivesse mais tempo para refletir. Especialmente no caso específico da conversa a base de maconha, que embaralha tudo.

Indo então à parte positiva, o que acho mais fantástico em EWS é o fato de ele transformar ações e conversas teoricamente banais em atos e diálogos que dizem muito sobre o relacionamento (e a sociedade) em questão, que, por n motivos, pode ser semelhante ao de muitos que assistem ao filme. Sim, isso aqui pode funcionar como um espelho pra lá de desagradável. Seja pra você, pra alguém que você conhece ou mesmo para o seu relacionamento com namorada(o)/esposa(o).

Em um espelho, aliás, temos uma cena teoricamente simples mas que já diz muito sobre o casal – o médico Bill Harford e sua esposa Alice (Tom Cruise e Nicole Kidman, ainda casados na época e ótimos em seus respectivos papéis). Bill responde a uma pergunta de sua mulher da maneira mais mecânica e insossa possível, isso segundos depois da imagem de abertura do filme, que já é representativa quando mostra uma Nicole Kidman se despindo como quem vive um tédio irritante.

Do banheiro e do momento mecânico eles partem para uma festa, da festa para casa. Chega o dia seguinte, mostrado como um dia qualquer. Isso até o momento que eles decidem fumar um pouquinho de maconha pra trocar uma idéia, num ritual aparentemente comum para ambos. Aí então os acontecimentos da festa no dia anterior se juntam ao desenrolar da conversa dos dois chapados e, após essa introdução, têm-se de fato o começo de uma jornada psicossexual. Ou mais até sociológica-sexual.

Temos aqui um jogo, de causa e conseqüência, de mudança de hábito e de idéias em decorrência do ambiente e das circunstâncias: um breve e escroto estudo sociológico do casal. É uma jornada de terror, com os extremos de prazer e frustração do sonho e da realidade, do poder, da comodidade e da liberdade. E da falta de tudo isso.

É notável também que, da menina ao dono da loja, passando pelo recepcionista do hotel, sempre existe a ligação com o sexo. Muitas vezes uma ligação puramente humana, mas em outras até doentia. Vai-se do sutil flerte ao sexo completamente impessoal – para não dizer animal. Tudo isso com um tom que, embora surreal e um tanto medonho, mostra situações que podem ser próximas e semelhantes à de qualquer um.

Falar mais é cortar o barato de quem ainda não assistiu. De qualquer jeito, esteja preparado para a famigerada seqüência do casarão, onde Kubrick despeja toda sua megalomania. Nas cenas que ali acontecem, como em todo o filme, há o ingrediente sexual, a estilização e especialmente o tratamento descomunal do cineasta com os sons e as imagens de seus filmes. Rever EWS significa ter um contato com imagens, músicas e até ruídos que não saem da cabeça. Da cena de abertura à resumida e arrebatadora palavra imperativa final, ambas embaladas pela "Jazz Suite, Waltz 2", de Shostakovich. É pra ficar hipnotizado e boquiaberto. Sempre.

Ps: Eu já tinha desistido de falar sobre isso aqui, até porque é dos filmes de Kubrick mais comentados – e sobre o qual eu mais li. Pouco ou nada do que disse aí é novo (idéias geralmente compartilhadas), mas eu precisava escrever sobre um filme que eu não canso de reassistir. Pronto.

Bom feriadão para todos.

Revisto em DVD – 13 de março de 2008.

Metal: a headbanger's journey

Um sonho headbanger

Tenho tido algum tempo livre, até pelas férias do jornal e da faculdade (mesmo que somente por essa semana), mas ainda assim me sinto tão útil e produtivo como o apêndice em cada um de nós. Isso até hoje, quando vi o Metal: A Headbanger’s Journey (Metal: A Headbanger’s Journey, CAN, 2005), que me ajudou a espantar a preguiça e a criar coragem pra escrever alguma coisa. Antes de ir pro texto, no entanto, vale salientar que isso aqui é direcionado a quem ama ou, no mínimo, quer saber sobre o gênero. Se você é um daqueles (com genes de Einstein e Mozart) que acredita na imagem estereotipada de metal passada por vovô ou por seus amiguinhos indies auto-suficientes, e/ou não vê como mudar de idéia sobre o assunto, não perca seu tempo. Nem vendo o filme nem lendo esse texto. Recado dado, vamos lá.

Quem dirige, narra e até certo ponto estrela o filme é Sam Dunn (que tem Scott McFadyen e Jessica Joy Wise como co-diretores), que trabalha basicamente com um documentário de conversa, à la Eduardo Coutinho. Dunn é também um headbanger convicto, que se apresenta e diz que tinha 12 anos em 1986, ano que ele cita como o auge de popularidade do metal. Esse amor ao assunto já dá ao resultado algo minimamente honesto, de alguém com conhecimento de causa e apaixonado pelo que está fazendo. Ou seja, o enfoque aqui é muito mais no conteúdo do que na estilização.

Conteúdo, aliás, excepcional. O acervo de imagens de arquivo, a quantidade de entrevistas e a seleção de entrevistados é um fenomenal pra quem gosta do tema – vemos Bruce Dickinson, Dio, Dee Snider, Alice Cooper, Tony Iommi e mais trocentas e vinte e sete pessoas que muitos de nós gostaríamos de conhecer/conversar. Com esse material e em pouco menos de 100 minutos, Dunn tenta, entre outras coisas, quebrar os estereótipos (o que ele frisa, no início e no fim, ser sua principal intenção) ligados ao metal. Destaque especial para a genealogia que ele criou para o gênero, o que sempre vai gerar controvérsia, mas que aqui é convincente. Fora ela (um dos pontos mais altos de tudo que é apresentado), ele leva o filme num formato não muito inventivo, mas assaz didático e informativo. Trata das origens, de influências, do visual, das mulheres (e da falta delas), do mítico símbolo do “chifre-do-diabo”, e da ligação do gênero com o satanismo, suicídios, homicídios e coisas do tipo.

Dunn é bem minucioso em assuntos polêmicos e que envolvem infinitos mitos, mas consegue saber a hora de parar um tema e partir pra outro, sem deixar o filme repetitivo e dando tempo pra se respirar. Metal... tem conteúdo e ritmo, passa rápido. De brinde, ainda vemos um Dee Snider (Twisted Sister) que parece, 20 anos depois, estar com a voz de Al Pacino.

Em meio a tantos pontos positivos, o filme parece falhar ao, vez ou outra, ainda repetir alguns clichês e estereótipos ligados ao mundo em questão. Talvez por ele achar que eles são de fato alguns que refletem a realidade headbanger, mas ver Vince Neil (Motley Crue), por exemplo, falar que "sexo, drogas e rock n' roll pode ser também um trabalho" soa como discurso preguiçoso e repetitivo não bem vindo pra o filme. De qualquer maneira, ainda assim, Metal... é definitivamente uma excelente pedida para os outsiders que se interessem pelo tema.

Visto no computador – 28 de fevereiro de 2008

Coração Selvagem

Bruto e bizarro... mas fofinho

Coração Selvagem (Wild at Heart, EUA, 1990) é excepcionalmente estranho, mas ao mesmo tempo pra lá de acessível em se tratando de David Lynch. É uma história de amor estilizada como poucas e que prova que tratar com sentimentalismo piegas não é a área de Lynch – o mais próximo que ele chegou disso foi nos excelentes O Homem Elefante (1980) e Uma História Real (1999).

Prova do toque autoral de Lynch já está em toda a primeira meia-hora de filme. Depois de uma abertura fenomenal, tem-se uma cena que dá as boas-vindas a quem esperava um filminho bem comportado. A imagem e o som são mal-educados. Falsidade, fedor, ódio, sangue (e amor!), devidamente estilizados, transbordam pela tela.

Até os seus primeiros 20, 30 minutos, Coração Selvagem exala uma energia extraterrena. Lynch consegue isso através de uma improvável mistura de heavy metal com rockabilly e romantismo de duas pessoas apaixonadas pelos três. Ele traz ao filme uma dupla (Sailor Ripley e Lula Fortune – Nicolas Cage e Laura Dern) com identidade seqüelada e improvável, mas que consegue convencer.

Daí em diante, o filme dá uma diminuída na energia e no ritmo, mas não no estado onírico e surreal das imagens. Lynch trata de uma espécie de glamourização do fogo, ultra estilizado e com uma beleza só vista por mim em algo semelhante na abertura e em alguns momentos de Apocalypse Now (1979).

Ponderado o fato de que o tipo de história e ela em si podam as excentricidades de Lynch, o “czar do bizarro” usa-as como pode nos personagens. Marieta Fortune (Diane Ladd, que concorreu ao Oscar pelo papel), mãe de Lula (Dern, ótima como sempre), está impagável e assustadora com sua obsessão por laranja e a mente doentia. Mente doentia também dos não menos bizarros Bobby Peru (Willem Dafoe) e o primo Dell (Crispin Glover) com suas baratas. O bizarro com humor dodói.

Ainda assim, o filme é, no começo e no fim das contas, uma história de amor (com toques de Road Movie) e que tem em Lynch o diretor ideal para contá-la da maneira mais estranha possível, o que é ótimo para quebrar a mesmice dos filmes do gênero.

O único porém (relevável) talvez seja a cerca de cinco ou dez minutos do fim, quando um do dois toma uma atitude que contradiz tudo o que eles demonstraram pensar até ali – o que é bem difícil de engolir. Na seqüência, depois de algo até mais esperado, o incoerente dos dois volta a ficar minimamente lúcido e o filme chega ao seu final. Final, o de fato, segundos antes de começarem a subir os créditos, esse sim espetacular e apaixonante.

O deslize, se por um lado muito fake, é compreensível por potencializar o final subseqüente - que talvez não precisasse disso. Mas, com relevação do "problema" ou não, o todo do filme ainda é um deleite de imagens, de sons, de originalidade e de uma bizarrice muito bem vindas.

Visto em DVD – 6 de janeiro de 2008