Outubro

10. Food Matters (2008), de James Colquhoun e Carlos Ledesma (**1/2)

9. Vênus Negra (2010), de Abdellatif Kechiche (**1/2)

8. L’Ange et la Femme (2008), de Olivier L. Brunet (**1/2)

7. Pornografizme (2010), de Leo Pyrata (***)

6. Os Inocentes (1961), de Jack Clayton (***)

5. A Casa da Noite Eterna (1973), de John Hough (***)

4. A Ponte (2006), de Eric Steel (***)

3. Psicose (1960), de Alfred Hitchcock (***1/2)

2. Rubber (2010), de Quentin Dupiex (****)

1. Tabu (2012), de Miguel Gomes (****)

* Também publicado em http://cinematotal.com/la.

Matemática afetiva

Muito já foi dito a respeito de Tabu (2012), mas para mim seu maior mérito é a sofisticação que chega como simplicidade, às vezes até despretensiosa.

Em um corte, pulamos 40 anos; em outro, milhares de quilômetros. Em ambos, a fluência se mistura com esmero e afetuosidade, por personagens, pela história deles, e pela música.

Como em Aquele Querido Mês de Agosto (2008), ela volta a ser personagem, embora dessa vez uma música especifica se sobressaia. Toca uma primeira vez, ligada a uma personagem e em momento já emotivo, mas como espécie de preparação para um segundo momento, quando um corte e um som trazem emoção raramente vista nos últimos anos.

Após uma introdução extraordinária, pode-se dizer que a primeira parte demora a engrenar, mas a contemplação bem humorada inicial deixa um espaço, uma brisa leve que depois é preenchida por uma gigantesca carga afetiva que marca a última hora do filme, uma história de amor.

Um extremo de silêncio, com apenas o balbuciar sem palavras, junto a uma narração diário, conciliando meticulosidade, para não nos repetir o que estamos vendo, e carinho.

Existe aí o enigma do crocodilo, o saudosismo e a ligação com Murnau e o cinema mudo, mas tudo isso é bônus de um filme que é tão genial e cuidadoso na forma quanto é simples em resultado e efeito.

Texto também publicado em http://cinematotal.com/la.

Setembro

Salvo por Guerin e Mizoguchi.

10. Tchau e Benção (2013), de Daniel bandeira (**1/2)

9. Bolívia (2001), de Adrián Caetano (**1/2)

8. A Cura (1997), de Kiyoshi Kurosawa (**1/2)

7. Quando os anjos caem (1959), de Roman Polanski (***)

6. Eye for na Eye (1998), de Artur Żmijewski (***)

5. A Ressurreição de Adam (2008), de Paul Schrader (***)

4. Cashback (2004), de Sean Ellis (***)

3. Frances Ha (2013), de Noah Baumbach (***)

2. Em Construção (2001), de José Luis Guerin (***1/2)

1. Rua da Vergonha (1956), de Kenji Mizoguchi (***1/2)

Seleção sem time

Boa Sorte, Meu Amor (2012, Brasil), de Daniel Aragão, é uma seleção de craques que não consegue formar um time à altura.

Temos uma protagonista com beleza, carisma e talento muito acima da média, a fotografia estilizada é de um esmero notável na iluminação e nos enquadramentos, diálogos misturam sapiência e leveza, e o filme tem algo a dizer e a mostrar.

Apresentação é com imagens estáticas do sertão que culminam em imagem de homem enterrado, com apenas parte de rosto à vista. A cena seguinte tem um gigantesco plano cheio de sombra que, após um longuíssimo zoom-in, é finalizada com frase a respeito da família e da opressão.

Pouco depois, o primeiro plano de Maria (Cristina Ubach) que, assim como todas as vezes que ela aparece, domina a tela. Aliás, quase todo plano feminino transmite um prazer de quem está atrás de câmera. No entanto, assim que ela sai do filme, acaba o interesse.

As imagens mantêm a média de estilo e de duração, mas não a força. E como o desde o início planos imensos são mesclados com outros bem mais curtos que parecem fazer parte de um filme bem mais dinâmico, a sessão perde ritmo e fôlego.

Finalizado o filme, todo o estilo, que vai desde os enquadramentos e o preto e branco à trilha sonora, ajuda menos que destoa do tom naturalista e crítico que existe ali. Cheios de personalidade, estilo e "mensagem" estão em conflito.

Mesmo perceptível o diálogo com conterrâneos, Boa Sorte, Meu Amor parece um filho bastardo de Buñuel com Tarantino. Ainda que o DNA pernambucano e talentoso esteja lá, bem claro.

* Texto também publicado em cinematotal.com/la.

Além da boa referência

Pode ser que eu mude de ideia até o final da temporada, pode ser que a digressão com o tempo perca o sentido, mas hoje ligo Bates Motel (2013-...) a Mad Men (2007-...).

Embora a primeira tenha sido adaptada aos dias atuais, as duas têm como base inicial o final da Era de Ouro de Hollwood, quando grandes artesãos faziam cinema. O tripé, a sobriedade de enquadramentos, a narrativa clássica, a busca pelo simples sem pretensões gritantes, está tudo lá.

Mas se em Mad Men temos uma série de personagens mais que de ações, Bates Motel quer honrar Hitchcock, talvez o maior em juntar mise-en-scène e fluência.

O problema é que, apesar de ter como referência um tempo em que a forma geralmente coexistia harmoniosamente com o roteiro, Bates Motel não tem a mesma leveza.

Mesmo que a série esteja longe de tentar ser um manifesto existencialista, nem tudo fala a mesma língua.

Freddie Highmore, o Norman Bates, está geralmente contido e irritante, é daquele personagem cuja insegurança pode passar impressão de ser do ator, mas hoje me convence. Já os pitis de Vera Farmiga (Norma) às vezes são constrangedores, e destoa da atuação do resto.

Outro ponto é que, no quinto episódio, temos alguns dos mais estranhos enquadramentos que vi recentemente, o que em teoria não é problema, mas se torna um quando seu resultado visa um fluxo narrativo, a atenção presa na história. O plano muito diferenciado soa como malabarismo e abre um parêntese.

Divagação à parte, que seja louvada a boa intenção de ter como referência época e diretor que hoje parecem esquecidos ou pouco vistos por grande parte dos que fazem cinema. Ela tem bons momentos, mas ainda espero ter impressão melhor quando acabar a temporada.

* Também publicada no http://cinematotal.com/la.

Agosto*

Mês razoável, primeiro contato com Bates Motel tem sido interessante. Prometo texto para os próximos dias.

10. A Cartomante (2013), de Adriano Big (**1/2)

9. Encaixotando Helena (1993), de Jennifer Chambers Lynch (**1/2)

8. Reminiscências de uma Viagem à Lituânia (1972), de Jonas Mekas (**1/2)

7. Holocausto Canibal (1980), de Ruggero Deodato (***)

6. Exótica (1994), de Atom Egoyan (***)

5. Dwaj ludzie z szafa (1958), de Roman Polanski (***)

4. Notes on the Circus (1966), de Jonas Mekas (***)

3. O Emprego (2008), de Santiago Bou Grasso (***1/2)

2. Vítima de uma Alucinação (2006), de Kiyoshi Kurosawa (***1/2)

1. Blackout (1997), de Abel Ferrara (****) 

* Também publicado em http://cinematotal.com/la.

Julho*

Um dos piores meses pessoais dos últimos tempos, mas agosto vem aí com The Bling Ring (Sofia Coppola), Tabu (Miguel Gomes), No Lugar Errado (Alumbramento), Camille Claudel, 1915 (Bruno Dumont) e Passion (de Palma).

10. Café (2013), de Victor Jimmy (**1/2)

9. O Bandido da Luz Vermelha (1968), de Rogerio Sganzerla (**1/2)

8. My Summer of Love (2004), de Pawel Pawlikowski (**1/2)

7. Palermo Shooting (2008), de Wim Wenders (**1/2)

6. Mundo (2004), de Jia Zhangke (***)

5. The Teeth Smile (1957), de Roman Polanski (***)

4. Deuses Malditos (1969), de Luchino Visconti (***)

3. Ferrugem e Osso (2012), de Jacques Audiard (***)

2. Os Homens que Não Amavam as Mulheres (2009), de Niels Arden Oplev (***)

1. Coisas Secretas (2002), de Jean-Claude Brisseau (****)

* Também publicado em http://cinematotal.com/la.

Antes da Meia-Noite*

A idade passou

Antes da Meia-Noite (2013 – EUA), de Richard Linklater, se inicia com uma câmera despretensiosa, um movimento fluido e dois personagens conversando, um resumo do filme inteiro, e até certo ponto dos outros dois da trilogia. Na sequência, em plano simples e brilhante que antecede a entrada do título em tela, o filho da abertura e no aeroporto, com o caminhar de Jesse (Ethan Hawke), é substituído pela Celine (Julie Delpy) que ele conheceu num trem há quase 20 anos, num envelhecer que o filme assume sem vergonha.

Porque se em Antes do Pôr-do-Sol (2004) víamos imagens de Antes do Amanhecer (1995), em um golpe baixo que funcionava bem pelo lado afetivo, agora o público não tem acesso a esse passado. Dos três, o filme é o mais direto e cruel.

Vemos a nudez que não acontecia nos outros dois, mas vemos um sexo não acontecer, e vemos a frustração dupla. Existe uma espécie de final feliz, mas com base em tudo que acompanhamos da vida daquele casal, ele é absurdamente momentâneo, em seguida voltando todo um conflito com o qual eles têm de lidar diariamente.

Se Antes do Amanhecer trazia uma vontade de viajar pelo mundo e conhecer pessoas, e Antes do Pôr-do-Sol era carregado de saudade com dose de esperança, Antes da Meia-Noite não me faz visualizar muita gente querendo casar logo depois de vê-lo.

Agora eles são um casal perto das bodas, com doses homeopáticas e cada vez mais raras de romantismo. Dessa vez, o amor tem menos espaço que o tragicômico. Só que isso me parece mais uma visão mais distanciada dos outros filmes que um defeito.

Com os já esperados planos longos, Jesse e Celine conseguiram ficar mais à vontade do que sempre estiveram, apesar do aumento das brigas. Bagagem e especificidades culturais à parte, a discussão deles parece a de um casal que tenha intimidade, história e incertezas. Com a diferença que a deles é (não só) divertida.

Como os outros dois filmes, Antes da Meia-Noite versa sobre uma das coisas mais mundanas que existe, a relação de um casal, em abordagem despretensiosa, simples e nada ordinária. Como nos outros filmes, um mais do mesmo, só que um mais do mesmo acima da média.

O desfecho bonitinho talvez, e aí saliento o talvez, não esteja do mesmo nível do final de Antes do Pôr-do-Sol, mas é inevitável admitir que a sintonia de tela entre dois personagens, durante uma hora e meia em um filme de personagens, é uma coisa rara no cinema americano de hoje.

* Texto também publicado em http://cinematotal.com/la.

Junho*

A partir de agora, vou publicar só um top-10 no final de cada mês, sem incluir as séries. Falando nelas, volte logo, Mad Men.

10. Um Homem, Uma Mulher (1966), de Claude Lelouch (***)
9. Amor à Queima-Roupa (1993), de Tony Scott (***)
8. Menino do Cinco (2012), de Wallace Nogueira e Marcelo Matos de Oliveira (***1/2)
7. Repulsa ao Sexo (1965), de Roman Polanski (***1/2)

6. Gilda (1946), de Charles Vidor (***1/2)
5. Antes da Meia-Noite (2013), de Richard Linklater (***1/2)
4. A Montanha Sagrada (1971), de Alejandro Jodorowsky (***1/2)
3. Aos Nossos Amores (1983), de Maurice Pialat (***1/2)

2. Carrie, a Estranha (1976), de Brian de Palma (****)
1. O Desprezo (1963), de Jean-Luc Godard (****)

* Também visto em http://www.cinematotal.com/la.

Simplicidade e foco com política*

As impressões acerca de Menino do Cinco (2012), de Wallace Nogueira e Marcelo Matos de Oliveira, saem mais de uma semana depois de ver o filme, mas pouco mudaram do primeiro dia pra cá.

Nos primeiros planos, um menino só em casa e outro na rua, que toma atitude mal pensada que desencadeia todo o conflito. Daí pra frente, um cachorro assume o protagonismo, sem cair em armadilhas fáceis num caso como esse, e os personagens e suas ações viram guias do filme, sobrepujando até o que em outros casos seria prioridade.

Pode-se falar em crítica social, à classe média e à classe média soteropolitana, pode-se falar em filme político, mas ele flui, entre outros motivos, porque seu norte é claro e seguido do início ao fim: ele persegue os personagens.

Pouco ou nada vemos de grandes planos gerais, e se for o caso perdemos o foco da imagem para não perdermos o foco dos que seguimos.

Com simplicidade de poucos cortes e câmera solta, ápice é no plano final, precedido por cena com tensão que deixa claro um domínio de meio sem passar a impressão de virtuosismo excessivo ou de exibicionismo.

Há ressalvas em relação ao descuido inicial que gera o conflito, embora ele possa ser justificado por tentativa de menino ir atrás de seu ganha-pão, como também há ressalva no momento em que o menino de classe média vai para a rua sozinho, onde vê-lo tomando chuva em ponto de ônibus e no meio do nada, caminhando, é uma imagem tão bonita quanto pouco crível.

Ainda assim, a força do filme reside também no contraste. Para nem falar no afastamento entre as classes sociais já abordado em dezenas de outros filmes recentes, geralmente de maneira menos feliz, temos a diferença entre a calmaria dos personagens em seus respectivos mundos e o desfecho, cheio de egoísmo e crueldade, todos em sintonia com o filme.

Numa época em que as boas intenções viraram regra, é ótimo ver um filme em que a boa execução e a simplicidade se juntam a elas de um jeito tão eficaz.

* Também publicado em http://www.cinematotal.com/la.